tag:blogger.com,1999:blog-89917091782271375892024-03-05T16:21:19.074-08:00Simpatía por la desafinaciónLumpenhttp://www.blogger.com/profile/02264347265061811728noreply@blogger.comBlogger286125tag:blogger.com,1999:blog-8991709178227137589.post-86107672074215527452014-12-29T03:57:00.004-08:002015-08-25T06:37:25.204-07:00Los mejores discos del 2014 (nacionales)<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgiYIplxpIFJrJm66haKkYb9w6biC18OX9IZufHwEmQTN2hAPTq9HM_hDdyfeMJsqJmWnX1A6SGIL3PSRBOiFVwWOAv-sZV9_6UO6I-x4K6Frb7x0ahRuqKBtaZEUgesW24r6lEv7Mapw-Q/s1600/u2.jpeg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgiYIplxpIFJrJm66haKkYb9w6biC18OX9IZufHwEmQTN2hAPTq9HM_hDdyfeMJsqJmWnX1A6SGIL3PSRBOiFVwWOAv-sZV9_6UO6I-x4K6Frb7x0ahRuqKBtaZEUgesW24r6lEv7Mapw-Q/s320/u2.jpeg" width="304" /></a></div>
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KEPA ARBIZU<br />
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Pues justo poco antes de acabar este 2014 toca hacer un repaso de los discos más importantes para un servidor de precisamente este año, y es el turno de aquellos publicados dentro de nuestras fronteras, y que al igual que los “internacionales” sólo responden a mi criterio personal. Aquí la lista de esos “imprescindibles” con los que he decidido quedarme... </div>
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- Julián Maeso, “One Way Ticket to Saturn” </div>
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- Lichis, “Modo avión” </div>
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- Arizona Baby “Secret fires” </div>
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- Sex Museum “Big city lies” </div>
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- Óscar Avendaño y Los Profesionales. “Demasiado oro” </div>
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- The Soul Jacket, “Black Cotton Limited” </div>
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- The Milkyway Express, "Perro rosa"</div>
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- Caustic Roll Dave, “Approaching Noise”</div>
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- Trogloditas, “Trogloditas”</div>
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- Biznaga, “Centro dramático nacional” </div>
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- Ainara Legardon, “Every Minute” </div>
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- Ángel Stanich, “Camino ácido” </div>
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- Nat Simmons, “Home on High” </div>
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Empezamos con la conexión “gallega”, y que como decía <b>Siniestro Total</b> en su último “Country & Western", debe de ser que su ubicación geográfica en la península les acerca a ciertos sonidos, porque, precisamente uno de sus integrantes, <b>Óscar Avendaño y Los Profesionales</b>, ha editado uno de los trabajos más sorprendentes del año, precisamente a base de genial rock americano, que viene, de alguna forma, completado por el de <b>The Soul Jacket</b>, que en los mismos parámetros tiran más de soul con un resultado colosal. </div>
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A <b>Julián Maeso</b> vamos a tener que dejar de considerarle “sólo” un teclista excelso, su segundo disco confirma que es un compositor maravilloso, y en esta ocasión lo materializa a base de un rock mas energético, dando toda una lección de sonidos clásicos del género. Otra sorpresa es la de <b>Lichis</b>, sobre todo para alguien como yo nada seguidor de <b>La Cabra Mecánica</b>, pero cuando alguien da en el clavo de esta forma hay que reconocerlo, a base, también, de sonidos tradicionales norteamericanos que recrean un disco personal y dolorosamente autobiográfico. Otros que han sorprendido son <b>Arizona Baby</b>, que han mutado (para seguir en el mismo sitio, en esencia) su sonido, añadiéndole muchos matices (estilísticos y sonoros) y con un resultado sobresaliente. </div>
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Y toca la parte “dura” de la lista, si <b>The Milkyway Express</b> ya nos sorprendieron en su pasado disco con sus exuberantes formas para tratar el blues, el rock o el hard rock, en esta ocasión dan una vuelta de tuerca más, oscureciendo su propuesta y dándole más empaque. <b>Ainara Legardon</b> ya sabemos que se mueve con facilidad por los sonidos sobrios e íntimos, pero en su nuevo trabajo lo hace con un sonido más guitarrero y rebuscado, y de qué forma!! <b>Biznaga </b>por su parte utilizan el punk, o post punk, o punk ochentero ibérico, o como lo quieran llamar, el resultado, un disco que es pura energía contestataria. Y unos clásicos como Sex Museum, que no bajan el pistón, y echan una mirada al pasado, sus inicios, pero teniendo muy en cuenta su evolución y bagaje actual.</div>
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¿Puede haber un lugar intermedio en el que se encuentren <b>Quique González</b> y <b>Albert Pla</b>?, pues lo hay, y ahí se ubica <b>Ángel Stanich</b> con un álbum sorprendente y de una originalidad que arrebata. Difícil definir la propuesta de <b>Caustic Roll Dave</b>, o no, simplemente, o no, es blues desértico pasado por el tamiz de un cerebro lleno de otros sonidos. Un disco como el homónimo de <b>Trogloditas</b>, no hace falta decir de qué banda estamos hablando, ha pasado desapercibido, pero es todo un compendio magistral de los diferentes palos del rock. Y termino con <b>Nat Simmons</b>, que consigue acercarse al country-folk de manera sensible e intima pero nada sensiblera, todo lo contrario, un disco de raíces en mayúsculas.
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Kepahttp://www.blogger.com/profile/12884861495726188321noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8991709178227137589.post-55381678997603588222014-12-21T17:37:00.004-08:002014-12-21T17:37:45.192-08:00Los mejores discos del 2014 (internacional)<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8EXPi933fhqsLqcUkKrsRnI4iaqCmPPQR4obKWgG8_7l8AVIIkYn3AFza8EJsfzy4G6K2ON8jobfI5bsSxTtDrq2KkRtbVUGRhrKSXa_xs4LHZQ3DlCDnMK6ingNTFUE_Tqa7prV1NiQ9/s1600/gran-lote-de-100-discos-vinilos-super-oferta-variedad-13586-MLA127548933_6162-F.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8EXPi933fhqsLqcUkKrsRnI4iaqCmPPQR4obKWgG8_7l8AVIIkYn3AFza8EJsfzy4G6K2ON8jobfI5bsSxTtDrq2KkRtbVUGRhrKSXa_xs4LHZQ3DlCDnMK6ingNTFUE_Tqa7prV1NiQ9/s400/gran-lote-de-100-discos-vinilos-super-oferta-variedad-13586-MLA127548933_6162-F.jpg" /></a></div>
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KEPA ARBIZU</div>
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Como siempre por estas fechas toca hacer un repaso de lo más destacado que nos ha dejado este año 2014 que ya se nos escapa. Como es habitual también en esta casa, la lista resultante no responde a un orden estrictamente de preferencia (aunque siempre tiene su cierto sentido la disposición) ni mucho menos está condicionada a seguir una plantilla, de hecho esta vez los elegidos dan como resultado un número tan poco ortodoxo como 13; simplemente elijo aquellos trabajos con los que me quedo irremediablemente en este lapso de tiempo. Sin más, aquí están los nombres..... </div>
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<b><i>- John Hiatt: “Terms of My Surrender” </i></b></div>
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<b><i>- Chuck prophet: “Night Surfer” </i></b></div>
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<b><i>- Wilko Johnson y Roger Daltrey: “Going back Home” </i></b></div>
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<b><i>- Reigning Sound: “Shattered” </i></b></div>
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<b><i>- "Dave Alvin & Phil Alvin Play & Sing the Songs of Big Bill Broonzy: Common Ground”
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<b><i>- Lucinda Williams: “Down Where the Spirit Meets the Bone” </i></b></div>
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<b><i>- Tom Petty: “Hypnotic Eye” </i></b></div>
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<b><i>- St Paul and the Broken Bones: “Half the City” </i></b></div>
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<b><i>- Leonard Cohen: “Popular Problems”</i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<b><i>- Lee Fields: “Emma Jean” </i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<b><i>- Ben and Ellen Harper: “Childhood home”</i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<b><i>- Sharon Jones: “Give the People what They Want” </i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<b><i>- Jack White: “Lazaretto” </i></b></div>
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Quizás se podría argumentar lo mismo sobre <b>John Hiatt, Lucinda Williams, Tom Petty</b> e incluso <b>Leonard Cohen</b>, son nombres que por el mero hecho de sacar un nuevo disco ya son noticia reseñable y casi, de por sí, merecedora de entrar en “lo mejor del año”. Pero no es por ese motivo por el que aparecen en este particular repaso, sino porque sus obras de este año son de una calidad sobresaliente. Mientras que el primero ha editado su mejor trabajo en varios años, oscuro, intenso y magistral, <b>Lucinda </b>se ha atrevido con un disco doble que abarca todo su exclusivo y genial imaginario y lo hace para una vez más tocar la tecla y emocionar al respetable. <b>Tom Petty</b> regresa, o retoma, la senda de sus primeras grabaciones y al sonido clásico en los últimos tiempos le insufla el vigoroso y rasposo poder de las guitarras. Bienvenido sea. Y <b>Leonard Cohen</b>... pues él continúa agrandando su legado, y esta vez instalado, a su forma, más todavía en los sonidos negros para una (nueva) clase de elegancia. </div>
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A <b>Wilko Johnson</b> le ha acompañado este último tiempo la sombra de la épica por su lucha contra la enfermedad, pero al margen de ese merecido homenaje, su disco junto a otra figura como <b>Roger Daltrey</b> se transforma en un grito feroz, que en un primer momento se podía tomar como testamento, de rock and roll puro y de muchos quilates. Otro que va camino de clásico es <b>Chuck Prophet</b>, que si bien parecía haber tocado techo con el “<i>Temple Beautiful</i>”, su nuevo trabajo, sin necesidad de comparaciones con el pasado, sigue encumbrándolo en el mundo del rock. Quizás los hermanos <b>Alvin </b>y sus míticos <b>The Blasters</b> no tienen la consideración que se merezcan, o solo en ámbitos reducidos, pero su “reunión” para repasar de manera colosal el variado repertorio del bluesman <b>Big Bill Broonzy</b> les vuelve a traer al recuerdo y pedir a gritos su lugar de honor. </div>
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La ración de soul de esta lista viene de lo más variada e interesante, desde la fuerza y energía de <b>Sharon Jones</b>, otra en lucha contra las andanadas del destino, hasta el clasicismo y nervio del gran <b>Lee Fields</b>, pasando por lo que para mí ha sido la gran sorpresa/novedad de estos 365 días, <b>St Paul and the Broken Bones</b> y su huracán de sonidos negros. </div>
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Alguna vez he dicho, y no me retracto, que <b>Reigning Sound</b> es la mejor banda que ha surgido en los últimos años, a pesar de que <b>Get Cartwright</b> no es precisamente un recién llegado. En su nuevo disco se dejan llevar más por el soul y las melodías que por su incisivo sonido garagero pero siguen empeñados en darme la razón... Y dos geniecillos, tan diferentes entre sí, con los que contamos actualmente son <b>Ben Harper</b>, que se ha juntado a su madre para hacer una delicia de disco, y el siempre llamativo <b>Jack White</b>, que consigue lo que casi nadie, ser heterodoxo y cambiante hasta el paroxismo y sacar matrícula. </div>
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A modo de píldoras que por motivos a veces casi aleatorios no han llegado a esa selección de lo esencial pero que han deslumbrado, por lo menos a mí, durante este año son, por ejemplo, la íntima elegancia de <b>Sun Kil Moon</b> (“<i>Benjí</i>”), la mezcla entre guitarreo y negritud clásica del magnífico debut homónimo de <b>Benjamín Booker</b>, la sorprendente voz de <b>Cristopher Denny</b> (“I<i>f the Roses Don’t Kill Us</i>”), los ejercicios excelentes de “vintage” (palabra que no me gusta demasiado en este contexto) de <b>Luke Winslow-King</b> (“<i>Everlasting Arms</i>”), con su jazz-swing esta vez más abierto a influencias que nunca, y de <b>Nick Waterhouse</b> (“<i>Holly</i>”) con su rhythm and blues, o el siempre fiable y esta vez excelente <b>Justin Townes Earle</b> (“<i>Single Mothers</i>”).
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Kepahttp://www.blogger.com/profile/12884861495726188321noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8991709178227137589.post-84574700935709365372014-10-28T16:56:00.001-07:002014-10-28T16:56:16.621-07:00<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgaAeVq8qI-KIc1TzZGSvny92sbhxuDgtJrXAHUiHbHPJOMz9IQB-2WMiUuMpRBJV-wGLnbe7aqMotyYJwwKrHyQlTKfsCx82M3BiYUux83kOpR2oqdTU3MhelYJz9M3IxFNPrGKZN_8et/s1600/lucinda.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgaAeVq8qI-KIc1TzZGSvny92sbhxuDgtJrXAHUiHbHPJOMz9IQB-2WMiUuMpRBJV-wGLnbe7aqMotyYJwwKrHyQlTKfsCx82M3BiYUux83kOpR2oqdTU3MhelYJz9M3IxFNPrGKZN_8et/s320/lucinda.jpg" /></a></div>
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KEPA ARBIZU<br />
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No nos engañemos, hay lanzamientos musicales que son especiales y superan con mucho la condición de mera novedad nacida para ser apilada, o no, junto a otras. Hay discos que traen consigo un marchamo de excepcionalidad, casi siempre relacionado con la posibilidad de estar ante algo realmente importante y relevante, derivado de su papel intrínseco o del de su autor. Precisamente por eso cuando se presenta un nuevo (doble) álbum de Lucinda Williams hay que estar atentos y prestar atención porque las probabilidades son altas (se lo ha ganado a lo largo de su magistral carrera) de ser algo verdaderamente significativo. </div>
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La cantante y guitarrista de Louisiana es, sin ningún rubor a sonar exagerado, la gran dama del rock en la actualidad. Ese galardón no es óbice para afirmar que sus últimos trabajos, con evidentes cualidades dada la persona de la que estamos hablando, no pertenecen a lo más granado de su creación y no pasarán por ser de lo más destacado de su discografía. Pero este Down Where the Spirit Meets the Bone es otra cosa, su aportación es realmente considerable y poseedor de una calidad extraordinaria.
En la consecución del rotundo éxito que a la larga este trabajo logra, influye, y mucho, la compañía que ha elegido la compositora, que parece haber echado mano de la simple y efectiva ecuación, casi siempre infalible, de aunar un equipo de lujo para lograr un resultado a la altura. </div>
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Y es que hay algo que a nadie se le puede escapar al escuchar esta reunión de canciones y son las sobresalientes guitarras que aparecen. Sus artífices, entre otros, ni más menos que Tony Joe White, Greg Leisz, Jonathan Wilson o Doug Pettibone. Todos ellos sacan un partido magistral a las seis cuerdas y parecen encontrar el elemento exacto que cada tema pide. Pero no acaba aquí el papel estelar de los acompañantes, porque los Imposters, o lo que es lo mismo la banda de acompañamiento de Elvis Costello, aportan su base rítmica por medio de la presencia de Pete Thomas y Davey Faragher. </div>
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Pocas imágenes más icónicas hay para relatar el universo lírico de Lucinda Williams que el corazón atravesado por un cuchillo que adorna la portada de este álbum. A pesar de que es obvio que su “discurso” se nutre de las andanadas que da la vida, y el sufrimiento que eso provoca, también va a haber espacio aquí para la búsqueda de la actitud con la que enfrentarse a ellas e incluso echar una mirada más externa y describir el “paisaje” que se vislumbra, a veces con un claro contenido social / político. </div>
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No se me ocurre una forma más impactante de comenzar un disco que con la impresionante Compassion, una adaptación musical de un poema de su padre (Miller Williams) sustentada en voz, que parece no dejar de aumentar en vida y autenticidad, y guitarra acústica donde reina la sobriedad bajo una forma de letanía acerca de la necesidad de crear empatía con el prójimo, incluso con el que aparentemente menos lo merece. Dentro del repertorio de Williams hay un tipo de composiciones que podríamos llamar estándares, sin que esto sea peyorativo, y que, obviamente, aquí también tienen su representación. En este aspecto hay que nombrar, por ejemplo, el rock sureño, con olor a goma gastada en largas y calurosas carreteras, de Protection; la menos abrasiva pero con una rotunda carga melancólica de Foolishness, e incluso la mirada algo más vitalista, en forma y fondo, de Walk On, un llamamiento a no rendirse. Pero no hay que olvidar de quién hablamos, y utilizando este tipo de construcciones es capaz de facturar una maravilla como Burning Bridges, menos afilada pero capaz de crear una calma tensa totalmente embriagadora. </div>
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La música de la cantante también está decisivamente influida por los sonidos más cercanos al country, convirtiéndose de alguna manera en continuadora de intérpretes como Emmylou Harris, tal y como queda constancia en la todavía eléctrica y punzante East Side of Town, aldabonazo contra la desafección de los políticos, o en This Old Heartache, ésta ya imbuida por completo del ritmo “campestre” y de sus instrumentaciones, sobresaliente el papel de Greig Leisz en ese terreno. En It’s Gonna Rain, más sobria y dolorosa, aparecerá la voz profunda y delicada de Jakob Dylan como perfecto contrapunto. </div>
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Y si de ingredientes que dan forma al contexto sonoro de Lucinda Williams hablamos, en este disco los relativos a los géneros negros tienen una importancia capital. Por ejemplo, la vena más pantonsa y arrastrada se va a demostrar en temas como West Memphis o Something Wicked This Way Come, donde aporta su voz más ruda en este tratado sobre las malas intenciones del sexo contrario. En ambas sobresale la guitarra, y armónica en la primera otorgándole mayor profundidad a la composición, de Tony Joe White, experto en estas lides. Everything but the Truth es más funk, por lo tanto más rítmica, y nuevo trabajo descomunal de las guitarras. En otra rama de esta misma faceta musical, los intensos medios tiempos atravesados por el espíritu del soul, destacan la sobriamente épica Cold Day in Hell, hecha a base de punzadas eléctricas; la más rota y sentimental Wrong Number, la sosegada When I Look at the World, con su reivindicación de un borrón y cuenta nueva continuo, o One More Day, en la que sobresale esa delicadísima sección de metales. </div>
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No es nada fácil concebir un disco doble y lograr mantener al oyente enganchado sin remisión a lo largo de todo él. Eso es lo que precisamente consigue este Down Where the Spirit Meets the Bone. Su receta es, al margen de saber maniobrar por diferentes direcciones dentro de un estilo muy característico, dar otra muestra de un rock pasional, doloroso en muchas ocasiones, del que emana a borbotones autenticidad y todo bajo un exquisito tratamiento musical. </div>
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Escrito originalmente para: <a href="http://www.elgiradiscos.com/2014/10/lucinda-williams-down-where-spirit.html">http://www.elgiradiscos.com/2014/10/lucinda-williams-down-where-spirit.html</a>Kepahttp://www.blogger.com/profile/12884861495726188321noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8991709178227137589.post-86941649230485469542014-10-19T17:36:00.001-07:002014-10-19T17:36:12.117-07:00Ainara LeGardon: "Every Minute"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhB6NJAIwHxCnd7yPJuqXd-R3v2mYpvjKiFRm0WAS5i3iFCQQBrWz4RdqDeudm_FwXF2oGw8JFWCOaAKnLQeu_IDManBGzkJ-B3b-9j17x20DiHDfQj-SlsAJVjRrTp7IVLSxdybjVkSajG/s1600/legardon.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhB6NJAIwHxCnd7yPJuqXd-R3v2mYpvjKiFRm0WAS5i3iFCQQBrWz4RdqDeudm_FwXF2oGw8JFWCOaAKnLQeu_IDManBGzkJ-B3b-9j17x20DiHDfQj-SlsAJVjRrTp7IVLSxdybjVkSajG/s320/legardon.jpg" /></a></div>
KEPA ARBIZU<br />
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La carrera de Ainara LeGardon (en solitario después de formar parte del grupo Onion) está rotundamente marcada por la adopción de un tono intenso. A él ha llegado a base de tomar el sonido americano, que incluye desde el folk hasta el rock, en una vertiente sobria, a veces minimalista, y con cierta tendencia a sus lugares más sombríos. Precisamente en ese contexto se incluye ‘Every Minute’, quinto disco en su trayectoria individual que sin embargo nos ofrece alguna novedad. </div>
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Tomando como referencia más cercana su anterior trabajo, ‘We Once Wished’, las guitarras eléctricas, y por extensión una mirada más rockera, habían ya tomado un lugar predominante en su apuesta sonora, dejando de lado unos inicios más acústicos. En este su nuevo trabajo no es que mantenga esa situación sino que todavía la implementa de manera muy notable, dando vida a unas canciones realmente crudas y chirriantes, siempre con esa sobriedad, desnudez e intensidad habitual en la bilbaína. </div>
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Para cumplir ese propósito se ha rodeado de una formación clásica de bajo (Rubén Martínez) y batería (Héctor Bardisa), manteniendo en la producción a Paco Jiménez (habitual en sus últimas publicaciones), algo que ayuda a que el conjunto sea más orgánico y puro, características que deberían de quedar corroboradas desde la misma portada, en blanco y negro y en la que se dibuja la figura de la intérprete sin piel y recorriendo un camino. Las pistas parecen obvias respecto al sentido que pretende el disco, pero si todo esto fuera poco no hay más que ponerse a su escucha y toparse con la canción que lo abre: “Last Day”, estructurada sobre su propia voz sin ningún tipo de acompañamiento y en la que canta de manera serena pero descarnada. </div>
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A partir de ahí el disco propone una ambientación muy específica, se trata de un rock oscuro, ruidista pero sin desbarres ni desarrollos largos, y recreando un tono atormentado y angustioso por momentos, en el que nombres como la primera PJ Harvey o Thalia Zedek dejan un rastro evidente. La forma de escenificarlo tendrá dos vertientes, la más habitual será por medio de su faceta más airada y directa. Precisamente en ese ámbito nos encontramos con canciones como “No End” o “Every Minute”, de melodías ligeramente enrevesadas y crudas; “Magnetic”, hecha a base de una telaraña eléctrica y con actitud furiosa que encuentra su cenit en los virajes vocales en los que LeGardon utiliza su voz para aumentar esa desazón, o con la pegada más directa y pegadiza de “We Are Ready”. </div>
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Con una forma menos acelerada pero manteniendo firme la proposición de mostrar los sentimientos de la manera más desgarradora y sincera aparecen temas como “White”, más reposada y reflexiva pero atravesada con un halo tenebroso, sobre todo presente en la dramatización total que hace de la interpretación (por momentos puede recordar al teatro japonés), que se disparará en las acongojantes “In The Woods” o la angustiosa “To Each Other”. Demostraciones todas ellas de que el hecho de aminorar las revoluciones no tiene para nada su representación en un déficit en la capacidad para transmitir visceralidad, todo lo contrario. </div>
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‘Every Minute’ parece querer transmitir la idea de cambio, o de huida, o simplemente la de avanzar, de manera más o menos recta, en el camino, como se desprende de la ya mencionada portada. En ese transcurrir nos adentramos en todo un desgarro emocional, donde la angustia, la crudeza o la desesperación se representan en estas canciones. Nunca ha sido del todo accesible la propuesta de Ainara LeGardon, pero la inclusión rotunda de las guitarras eléctricas ha enrevesado y la ha afilado todavía más, creando un marasmo de emociones y eso, se mire por donde se mire, siempre es una gran noticia en la música. </div>
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Escrito originalmente para: <a href="http://genetikarockradio.com/ainaralegardoneveryminute-2/">http://genetikarockradio.com/ainaralegardoneveryminute-2/</a>Kepahttp://www.blogger.com/profile/12884861495726188321noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8991709178227137589.post-5697754728304988292014-10-12T17:22:00.003-07:002014-10-12T17:22:35.348-07:00Chuck Prophet: “Night Surfer”<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh53gR-V9yE_o1PilWIz3sMo5MM-M4CrqsYzaTfrsR0xZ4gQ6alPNsZxlFpRrBubMFBadJpIRiWW_UMng34YISJAiOVl6Y_C7gzufD3UqwIWA7R-fsUZVb73U4S2Ip_iCVaCmx_mj2P77gw/s1600/prophet_night_surfer1500.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh53gR-V9yE_o1PilWIz3sMo5MM-M4CrqsYzaTfrsR0xZ4gQ6alPNsZxlFpRrBubMFBadJpIRiWW_UMng34YISJAiOVl6Y_C7gzufD3UqwIWA7R-fsUZVb73U4S2Ip_iCVaCmx_mj2P77gw/s320/prophet_night_surfer1500.jpg" /></a></div>
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KEPA ARBIZU
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El rock americano tiene una virtud, que a la larga se convierte en su gran tesoro, y no es otra que, al margen de sus grandes (en cuanto a reconocibles) nombres, tiene toda una escudería de músicos, que se agolpan en diferentes divisiones, con un nivel deslumbrante y que manejan el género con una soltura digna de elogio. Uno de sus más destacados representantes es <b>Chuck Prophet</b>, integrante de <b>Green On Red</b>, grupo de los ochenta y que se inscribía en el denominado <b>“Nuevo Rock Americano”</b>, y que acumula en solitario ya más de 20 años de carrera y en la que <i>Night Surfer</i>constituye su decimotercer álbum. </div>
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Se trata de un trabajo que ya de primeras viene a confirmar el estado casi de gracia en el que vive instalado el músico estadounidense, algo perfectamente extensible prácticamente a toda su producción de este siglo XX (década en la que se aglutinan su porcentaje más alto de discos). Raramente se sale de unos ciertos parámetros más o menos fijos que han marcado su trayectoria, a grandes rasgos saber conjugar a la perfección un sonido más íntimo con otro incisivo y de guitarras, y los que viendo el resultado que le han dado a nadie se le ocurriría poner en duda su valía.<br /><a href="https://www.blogger.com/null" name="more"></a><br />El problema (bienvenido problema) con el que se podía encontrar este <i>Night Surfer</i> es el, lógico, reconocimiento unánime que tuvo su predecesor <i>Temple Beautiful</i>; una rémora que escuchando el actual deja totalmente solventada, y es que a pesar de que se sitúe por detrás de aquel en cuanto a calidad, no supone cortapisa alguna para disfrutar y ensalzar éste. En la lógica de no cambiar demasiado lo que funciona, <b>Brad Jones</b> sigue ejerciendo de productor, aunque esta vez aparezca escoltado por <b>Paul Kolderie</b>, un binomio que trae consigo un sonido global más instrumentado y en general delicado. <b>Peter Buck</b>, (<b>R.E.M., The Minus 5</b>, etc...) será el invitado estrella aportando su valía con las seis cuerdas. </div>
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En ese lado guitarrero y fiero que <b>Prophet </b>siempre ha tenido como parte de su personalidad destacan canciones como <i>Countrified Inner City Technological Man</i>, en la que unas bases rítmicas palpitantes y de espíritu negro se fusionan con guitarras con clara denominación de origen de <b>The Rolling Stones</b>.<b> </b><i>Ford Econoline</i> incide en manejar el rock and roll pegadizo mientras que <i>Felony Glamour</i> mantiene el poderío con unos ritmos entre la new wave y el power pop más descarado. Aunque <i>Lonely Desolation</i> comienza dirigido por poderosos riffs, la melodía se transforma rápidamente en más amable y soleada, al más puro estilo <b>Big Star</b>. <i>Truth Will Out ( Ballad of Melissa and Remy)</i> podría pasar por alguna de las composiciones de <b>The Kinks</b> en los años setenta, con esa forma recitativa en la que la ejecuta. </div>
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En la parte más íntima y recogida va a llamar la atención la incursión de una sección de cuerdas que va a tomar relevancia a la hora de trabajar con las tonalidades de las canciones. Ahí está su papel delicado y a la postre decisivo en la magistral y melancólica, pero contundente, <i>Wish Me Luck</i>. Más presencia va a tener en<i>Guilty As a Saint</i> y sobre todo aportando épica en <i>Laughing on the Inside</i>. Todas ellas marcadas por el rock americano emotivo y clásico que nos remite a <b>Tom Petty o Elliot Murphy</b>. </div>
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A pesar de que <i>Night Surfer</i> es menos visceral que su anterior trabajo, en cuanto a forma, y apuesta por un sonido algo más delicado, <b>Chuck Prophet</b> construye en él una atinada e incisiva mirada sobre los tiempos actuales que corren, una época marcada por la soledad, la ansiedad y en definitiva una que parece haber desterrado el corazón de sus ámbitos de decisión. Con todo ello el norteamericano firma otra joya en el cada vez más suculento tesoro en el que se ha convertido su discografía. </div>
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Escrito originalmente para: <a href="http://www.elgiradiscos.com/2014/10/chuck-prophet-night-surfer.html">http://www.elgiradiscos.com/2014/10/chuck-prophet-night-surfer.html</a></div>
Kepahttp://www.blogger.com/profile/12884861495726188321noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8991709178227137589.post-497157679637440252014-10-05T17:00:00.000-07:002014-10-05T17:00:01.836-07:00Leonard Cohen: “Popular Problems”<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIdHQGTEau8B8dKlot6z-sI_bnRprX5U8t3zP3cqBWrQqLbTmtsbqNJ9L1r5ZMh11r2ik_akS8o-J7SZ_Io2lSDZJLKp8sjLHt7f2WuS2yopF_7PC3gwnJCqqXDsc94yQ7W6GVY2IwDwrz/s1600/LeonardCohen_Popular-Problems-cover.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIdHQGTEau8B8dKlot6z-sI_bnRprX5U8t3zP3cqBWrQqLbTmtsbqNJ9L1r5ZMh11r2ik_akS8o-J7SZ_Io2lSDZJLKp8sjLHt7f2WuS2yopF_7PC3gwnJCqqXDsc94yQ7W6GVY2IwDwrz/s320/LeonardCohen_Popular-Problems-cover.jpg" /></a></div>
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KEPA ARBIZU
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Aunque en ocasiones pudiera parecer lo contrario, la propuesta musical de <b>Leonard Cohen</b> no es, ni prácticamente nunca lo ha sido, apta para todos los públicos. Muchas de sus canciones no encajan en lo que se podría entender mayoritariamente como un “canon pop”. Su forma de interpretar, de combinar elementos y relatar sus historias/pensamientos (no se puede obviar que fue antes escritor que intérprete), son características muy particulares que además con el paso de los años se han hecho todavía más patentes. Precisamente a modo de autoregalo para conmemorar su condición recientemente estrenada de octogenario, acaba de publicar este <i>Popular Problems</i>. </div>
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Una carrera la suya, abarca casi 40 años en lo relativo a su creación discográfica, que ha transcurrido de manera más o menos regular, obviando su reclusión monacal, y construyendo un legado que a día de hoy sigue creciendo y dejando muestras realmente significativas de talento y de una inquebrantable personalidad. Este nuevo álbum se inscribe en esa trayectoria y a la vez aparece directamente conectado, en cuanto a concepto musical, aunque aumentado y mejorado, con su anterior.<br /><a href="https://www.blogger.com/null" name="more"></a><br />Es la omnipresente figura de <b>Patrick Leonard</b> la que hace la función de nexo de unión entre ambas realizaciones, no obstante todas excepto una de las canciones de este disco han sido coescritas por él. Su influencia se ve reforzada todavía más al comprobar cómo los sonidos negros impregnan casi todo el conjunto. A pesar de esa labor es <b>Leonard Cohen</b>, como no podía ser menos, el que impone su personalidad y las credenciales con las que ha apuntalado su genialidad, e incluso algunas de ellas, como su voz, y su tono de cantar, se materializan de una forma óptima, siempre teniendo en cuenta el paso del tiempo y sus consecuencias, algo de lo que el canadiense no ha sido ajeno en ningún momento, como se trasluce en sus canciones. </div>
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El disco se abre con el órgano y una base rítmica martilleante, elementos idóneos para construir ese sonido oscuro y pantanoso que recrea <i>Slow </i>y que entronca perfectamente con la irónica declaración de intenciones que esconde el tema, por el que se desenvuelve un <b>Cohen </b>con mucho “groove” y acompañado de esos habituales coros femeninos, recreando esa condición casi antitética en cuanto a tonos. <i>Almost Like the Blues</i>, con similares argumentos, se desarrolla con un ambiente más envolvente y apostando por la interesante reflexión sobre el difícil equilibrio para asumir las grandes desgracias del mundo y las miserias mundanas. La sacra <i>Born in Chains</i> retomará la senda más pura del sonido negro abrazando el soul y el gospel mientras que <i>Samson in New Orleans</i>, en busca de las consecuencias y actitudes alrededor del tema<b>Katrina</b>, toma una forma de réquiem, casi elegiaco, con su voz todavía capaz de asombrar en algunos giros en los que se quiebra. <i>A Street</i> saca a relucir ese lado más sensual en un ejercicio dicotómico entre el amor y la guerra. </div>
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La canción <i>Did I Ever Love You</i> comienza manteniendo esa crudeza y el sonido denso para cambiar el rumbo, cada vez que llega el estribillo, hacia melodías mucho más alegres y hacia ritmos de country contagioso. Otros temas también apostarán por acercarse al sonido de raíces, ahí está la genial y profunda<i>My Oh My</i>, a la que se le añade una comedida y lograda sección de metales. <i>You Got Me Singing</i> indaga todavía más en el tono melancólico, acompañado de un violín que hace perfecta misión de implementar esa sensación. Quizás el único, y mínimo, borrón (junto a la portada), por inexplicable y por romper la estructura del álbum, llega por medio de <i>Nevermind</i>, que apuesta por reproducir ritmos más modernos y electrónicos mezclados con arabismos que en ningún momento encuentran su sitio. </div>
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<b>Leonard Cohen</b> es un estilo musical en sí mismo, no caben referencias ni comparaciones capaces de explicarlo. Su nuevo disco no sólo mantiene intacta esa identidad sino que la manifiesta de manera magistral, como si el tiempo no pasara, o mejor dicho, pasara y utilizara ese (inevitable) hecho en su propio beneficio. Así se refleja en su forma de cantar, en la manera de imbricarse en las tonalidades de las canciones y a la hora de mostrarse ya sea irónico/cínico, poético, reflexivo e incluso llegar a autohomenajearse o autoparodiarse. <i>Popular Problems</i> es la radiografía del estado artístico en la que parece instalado últimamente el canadiense y que trae como resultado un trabajo de un nivel excepcional. </div>
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Escrito originalmente para: <a href="http://www.elgiradiscos.com/2014/10/leonard-cohen-popular-problems.html">http://www.elgiradiscos.com/2014/10/leonard-cohen-popular-problems.html</a></div>
Kepahttp://www.blogger.com/profile/12884861495726188321noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8991709178227137589.post-41632994780088504632014-09-29T18:46:00.004-07:002014-09-29T18:46:38.488-07:00Justin Townes Earle: “Single Mothers”<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg32txA5ryEKwlCbW_TzkujjBQKuH2aHJC97yli6iCfJ5X9WaFsohI5RNZ6TnOQVVGjG0gPILor26-82foKTxE22wg7wvi6-xr_7pIBWaCdQTiQi9VrMXZ_ufY2XTp6oeUIxmeJoYACYX-u/s1600/Justin-Townes-Earle-Single-Mothers.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg32txA5ryEKwlCbW_TzkujjBQKuH2aHJC97yli6iCfJ5X9WaFsohI5RNZ6TnOQVVGjG0gPILor26-82foKTxE22wg7wvi6-xr_7pIBWaCdQTiQi9VrMXZ_ufY2XTp6oeUIxmeJoYACYX-u/s320/Justin-Townes-Earle-Single-Mothers.jpg" /></a></div>
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KEPA ARBIZU
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Lo diré sólo una vez, y ahora al principio, para tratar de no repetirlo a lo largo del texto. <b>Justin Townes Earle</b> es el hijo del mítico músico <b>Steve Earle</b>. Un hecho que comento, primero, por si algún despistado todavía no lo sabía y después, y lo más importante, porque es indudable la influencia, tanto a nivel familiar/vivencial como artístico, incluso induciendo de alguna forma a crearse una personalidad propia alejada de la de su progenitor, que ha tenido. </div>
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Una trayectoria en solitario que tiene ahora en<i>Single Mothers</i> su último capitulo, uno que por cierto alcanza un nivel altísimo y un peso bastante significativo a la hora de encuadrarlo entre sus grabaciones. A lo largo de los años, y de sus consiguientes trabajos, el joven norteamericano ha ido labrando su propio espacio; fluyendo desde el folk-country de sus primeras grabaciones hasta la irrupción clara del soul en su anterior <i>Nothing's Gonna Change the Way You Feel About Me Now</i> . La nueva publicación parece asimilar todo ese continuo para situarse en un terreno de en medio, ni mucho menos inconsistente, tratado con una delicadeza y elegancia sobresaliente y que a la postre da como resultado su disco más personal y brillante.<br /><a href="https://www.blogger.com/null" name="more"></a><br />Acompañado de su productor de siempre, <b>Adam Bednarik</b>, y con <b>Paul Niehaus</b> (<b>Lambchop, Calexico</b>...), habitual en los últimos tiempos, en la sobresaliente labor de la guitarra, sobre todo en la "pedal steel", forman un tándem que colabora en dar forma a un disco homogéneo, concentrado, con una identidad claramente marcada, orientado hacia la elegancia y la sensibilidad, y en la que se mecen las habituales historias dolientes del autor, levemente atenuadas en esta ocasión, quizás consecuencia de su situación personal más estable. </div>
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Precisamente en ese espacio construido entre el sonido country, perfectamente ambientado por una delicadísima "pedal steel", y el soul, un lugar en el que se reunirían <b>Ron Sexsmith, Van Morrison y Townes Van Zandt</b> por ejemplo, se ubican temas como <i>Worried Bout the Weather, Wanna Be a Stranger</i> e incluso la majestuosa <i>Single Mothers</i>, donde destaca su voz acercándose a los terrenos más negros, creando una emotividad desbordante sin necesidad de grandes efectismos, sobre todo por medio de un espléndido estribillo. En un terreno más desnudo e intimo transitan temas como <i>Picture in a Drawer o It’s Cold in This House</i>, que en cuanto a ambientación se asemejan a las propuestas de <b>Mark Kozelek</b> o <b>Iron & Wine</b>.<br /><br />El papel de las guitarras, en cuanto a potencia, va a tomar más relevancia en canciones como <i>My Baby Drives</i>, donde fluye el rock and roll al estilo de una <b>Creedence Clearwater Revival</b> pero siempre tratada con una elegancia envidiable. Otras composiciones como <i>Time Show Fools o Burning Pictures</i> optan por el rock americano clásico, emparentándose con alguien como <b>Jason Isbell</b>. </div>
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<i>Single Mothers</i> es un disco delicioso, donde todo encaja, y ya sea optando por el intimismo o cierta intensidad, el conjunto está dominado por la delicadeza y la belleza. No se puede decir que este trabajo aúpe a nuevos escalafones a <b>Justin Townes Earle</b>, porque ya ocupaba una situación privilegiada conseguida por medio de lo realizado hasta ahora, pero desde luego sí que parece en este momento su obra más conseguida y personal. </div>
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Escrito originalmente para: <a href="http://www.elgiradiscos.com/2014/09/justin-townes-earle-single-mothers.html">http://www.elgiradiscos.com/2014/09/justin-townes-earle-single-mothers.html</a></div>
Kepahttp://www.blogger.com/profile/12884861495726188321noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8991709178227137589.post-38912440378243425822014-09-24T17:29:00.005-07:002014-09-24T17:29:31.466-07:00Marcus Bonfanti. Rotunda guitarra de (más que) blues<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYIGkIR_QuHwY0AUK2j4gIDAPSXVR0ROsVZx29LoBCwI0Ah5DGWzq4L8duEAAdGPCQCniWho-YLpI7qbKW2R-uvQs-gcWBUE_VLVT0LKDKcAYz4Z1l57Wnm2hplfrFBAQsveIi8pavQv4L/s1600/marcus3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYIGkIR_QuHwY0AUK2j4gIDAPSXVR0ROsVZx29LoBCwI0Ah5DGWzq4L8duEAAdGPCQCniWho-YLpI7qbKW2R-uvQs-gcWBUE_VLVT0LKDKcAYz4Z1l57Wnm2hplfrFBAQsveIi8pavQv4L/s320/marcus3.jpg" /></a></div>
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KEPA ARBIZU<br />
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No es una historia demasiado original la de un chico que desde pequeño se acerca al mundo de la música y que poco a poco va eligiendo su instrumento, en este caso la guitarra, hasta adquirir cierta pericia intentando tocar las canciones que oye en su casa. Así son los orígenes de muchos instrumentistas, también el de Marcus Bonfanti. Otra cosa muy diferente es ya la evolución siguiente, y ahí es donde el inglés destaca y marca su propio territorio. </div>
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A pesar de no contar todavía con una fama y un nombre demasiado representativo en el panorama internacional, este joven treintañero, que durante sus primeros pasos ha sido acompañante de diferentes músicos, construyendo así un bagaje y adoptando soltura, va conquistando y estableciéndose como uno de los pesos pesados en cuanto a guitarristas en el Reino Unido. Y es que no puede ser casualidad el hecho de que haya sido el elegido para encargarse de liderar en la actualidad a los míticos Ten Years After. </div>
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Será en el año 2008 cuando inicie su propio periplo individual, por medio del disco ‘Hard Times’. Con él, donde se hace cargo de todos los instrumentos que suenan, ya apuntala lo que será su estilo y forma de desarrollarlo. El blues, sea eléctrico o acústico, se conforma como eje central, pero si bien es cierto que se muestra brillante a la hora de ejecutarlo de forma clásica, demuestra también una habilidad encomiable para dirigirlo por otros vericuetos, que abarcan desde el hard rock hasta el funk. Esa heterogeneidad hace que las referencias se agolpen en su modo de interpretar y que por lo tanto se puedan apreciar desde las formas vigorosas de Jimmy Page o Rory Gallagher, pasando por Tony Joe White hasta músicos más actuales, y en los que también se da esa mezcla, como Seasick Steve o Scott H. Biram. </div>
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Con ‘What Good Am I to You?’ (2010), ya rodeado de banda, su sonido toma evidentemente más matices, al igual que maneja con más destreza su voz: profunda, pero clara, y con tono rasgado. En esencia la propuesta sigue siendo la misma. Un paso más en esa misma dirección supone lo que es hasta ahora su último trabajo, ‘Shake the Walls’ (2013), que es el que le trae hasta nuestro territorio en gira por primera vez. </div>
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En él nos vamos a encontrar en buena medida con su cara más musculosa y recia, ahí están esos sonidos que mezclan a Led Zeppelin con North Mississippi Allstars, (“Alley Cat”), el hard rock de alto octanaje de “Stone Me Sober”, ciertos arranques funk (“Honest Boy”) o rock and roll dinámico por medio de “My Baby Don’t Dance”. Pero también habrá espacio para medios tiempos intensos como “We All Do Bad Sometimes”, sobrio sonido americano (“Blind Alley”) e incluso tirar por el folk-blues tradicional en “The Bittersweet”. </div>
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Por lo que nos ha ofrecido en sus discos Marcus Bonfanti estamos ante un guitarrista de nivel y carácter, que pese a que oposita a “guitar hero” no se pierde en filigranas ni en lucimientos vacuos. Ahora sólo falta degustar ese repertorio sobre las tablas y ratificar esas cualidades mencionadas.
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Escrito originalmente para: <a href="httphttp://genetikarockradio.com/marcus-bonfanti-rotunda-guitarra-de-mas-que-blues/">http://genetikarockradio.com/marcus-bonfanti-rotunda-guitarra-de-mas-que-blues/</a>Kepahttp://www.blogger.com/profile/12884861495726188321noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8991709178227137589.post-63903407788944355582014-09-17T18:42:00.002-07:002014-09-17T18:42:11.665-07:00Benjamin Booker: “Benjamin Booker”<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQM_APhjqr3j-axBwP5Y_M6JG0MD_OuIFUF4JxP4pUXqBdShEDbW2SAE4pihfNNM4onVn6o0tHFV91aTT1tsRTByqzksj2Tdq88GMMSdw4Y4zraFlVToIn-LH2sEHLvLWjgk-N2QpT_Jj3/s1600/benjamin+booker.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQM_APhjqr3j-axBwP5Y_M6JG0MD_OuIFUF4JxP4pUXqBdShEDbW2SAE4pihfNNM4onVn6o0tHFV91aTT1tsRTByqzksj2Tdq88GMMSdw4Y4zraFlVToIn-LH2sEHLvLWjgk-N2QpT_Jj3/s320/benjamin+booker.jpg" /></a></div>
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KEPA ARBIZU<br />
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¿Estamos ante otro joven (en este caso de sólo 25 años) talento dedicado a actualizar los sonidos negros clásicos? Perfectamente se podría aplicar a Benjamin Booker tal definición, pero también supondría sólo fijarse en una parte concreta de la propuesta musical del norteamericano. Porque aunque sean ciertas, y evidentes, esas influencias en su música, no hay que obviar la curiosa manera que tiene de presentarlas, con una forma sucia, guitarrera y arrolladora, hasta convertirla en un claro símbolo identificativo. </div>
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Descubierto, o presentado al público, por ser elegido a la hora de hacer de telonero en la gira de Jack White (no resulta muy complicado buscar un paralelismo entre ambos), ahora llega su presentación por medio de su disco homónimo. Un trabajo que nada más nacer ya viene acompañado de una alta expectativa, con todo lo incómodo e incluso precipitado que puede traer dicha situación, pero de algún modo entendible por lo escuchado hasta este momento y refrendado todavía más por el sorprendente nivel del debut. </div>
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Un álbum que cuenta con la producción de Andrija Tokic, experto en aunar las raíces sonoras con una forma actual, como ha demostrado en su colaboración con grupos como Natural Child, Hurray for the Riff Raff o Alabama Shakes. Una característica que precisamente se vuelve esencial aquí, y que se materializará en la habitual división entre aquellos temas más directos o crudos y los más reposados. Otro elemento que juega en favor de la consecución de esos objetivos es la voz de Booker, que plantea esa misma dicotomía, delicada y susurrante pero atravesada por un tono rasposo, como si de un Ray Lamontagne más grueso se tratara. </div>
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Es dentro de aquellas composiciones que pertenecen a ese primer grupo donde asistimos con más nitidez a esa fusión o desarrollo desde las raíces del sonido negro a una representación más acelerada. Casi de manera encadenada nos vamos a topar con ellas. Así observamos cómo parte de los riffs de Chuck Berry (Violent Shiver) para administrarles tensión y llevarles hasta un escenario más garagero; hacer lo propio con el rockabilly trotón de Always Waiting; el rhythm and blues de Chippewa, aquí de manera menos abrasiva, o la directa y explosiva Have You Seen My Son? Todas ellas resultado de una perfecta asimilación de, entre otras, las propuestas de bandas que van desde The Gories, a Reigning Sound pasando por Ty Segall. </div>
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En ese escenario más lento e íntimo, y en el que se observa su poso más “negro”, nos encontramos con temas como Slow Coming, en el que bebe directamente de clásicos del soul, ya sea Otis Redding o Percy Sledge pero en el que no puede evitar añadir un desbarre eléctrico al final, u otros como I Thought I Heard You Screaming, más minimalista y orientado hacia el folk. El acercamientos al blues rural tradicional, en la estela de Blind Willie Johnson, llegará por medio de By the Evening, también con sus dosis de tormenta eléctrica.
Sin mayores consideraciones respecto a encumbrar o a crear con demasiada precipitación ídolos de masas desde su más tierna juventud, las credenciales mostradas por Benjamin Booker con este disco debut son realmente interesantes, y su forma de mezclar los sonidos negros con representaciones más guitarreras y crudas es desde luego toda una gratísima sorpresa. </div>
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Escrito originalmente para: <a href="http://www.elgiradiscos.com/2014/09/benjamin-booker-benjamin-booker.html">http://www.elgiradiscos.com/2014/09/benjamin-booker-benjamin-booker.html</a>Kepahttp://www.blogger.com/profile/12884861495726188321noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8991709178227137589.post-62391557384486238622014-09-11T18:03:00.003-07:002014-09-11T18:03:44.269-07:00Tom Petty y The Heartbreakers: “Hypnotic Eye”<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdyfTuCH3OREkIhq8s6fbMYqSZmYFlDk29nKvQWsmF63ZF9MhT71lxNznPusuWsErYbM-6nDFqTGg6hZ_dc-aP5ImYmOU3mN-sWp3gBgLW1gXiA1n-axFWAl4Q6BSRUlHzzqGCuWa6tjtk/s1600/tom_petty_hypnotic_eye-portada.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdyfTuCH3OREkIhq8s6fbMYqSZmYFlDk29nKvQWsmF63ZF9MhT71lxNznPusuWsErYbM-6nDFqTGg6hZ_dc-aP5ImYmOU3mN-sWp3gBgLW1gXiA1n-axFWAl4Q6BSRUlHzzqGCuWa6tjtk/s320/tom_petty_hypnotic_eye-portada.jpg" /></a></div>
KEPA ARBIZU
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Si uno se para a pensarlo detenidamente no parece una tarea fácil plantarse con 63 años, de los que casi cuarenta han transcurrido dentro del mundo del rock, y publicar tu decimoquinto álbum con la aspiración de sorprender y/o llamar la atención del público. <b>Tom Petty</b> no pertenece, no precisamente por motivos relacionados con su calidad, a esa privilegiada y exclusiva lista de nombres consagrados que todo lo que publiquen , sea como sea el resultado final, va a tener los parabienes y halagos de grandes masas. A pesar de eso, su nuevo <i>Hypnotic Eye</i> es un disco que, con razón, ha puesto a sus pies (ha vuelto a poner, para ser más exacto) no ya a sus admiradores más fieles, sino a (casi) cualquier seguidor del buen rock.</div>
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Para lograr este fin partía de un paso previo algo problemático. Su trabajo anterior, <i>Mojo</i>, al contrario de lo que está sucediendo con el actual, no tuvo una aceptación demasiado unánime, a pesar de que en él nos encontráramos con un maravilloso repertorio; eso sí, encaminado más a glosar sus influencias sonoras que a seguir ahondando en su propio estilo, y donde la figura de su inseparable, y brillante, guitarrista <b>Mike Campbell</b> tomaba un papel claramente protagonista.</div>
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En esta ocasión la decisión ha sido totalmente diferente, casi opuesta, y este nuevo álbum recupera sus armas personales primigenias, y a base de un sonido contundente de guitarras, mezclado con las melodías emanadas de las raíces del sonido americano, logra remontarnos a su primera época y encandilarnos, junto a sus <b>Heartbreakers</b>, por medio de esa dulce crudeza que posee, y que también tendrá su representación en un discurso descreído y crítico en lo social, atenuado con instantes algo más nostálgicos e incluso románticos.</div>
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El disco se desarrolla en buena parte a base de guitarrazo limpio, los riffs suenan vigorosos, punzantes, puro hard rock por momentos pero perfectamente integrados con otros matices sonoros. Así en la machacona, rítmicamente hablando, <i>American Dream Plan B</i>, la distorsión se mezcla con esa sonoridad de raíces, representada por ejemplo ya sea en <b>The Byrds</b> o <b>CSNY</b>, algo que todavía se hará más patente en una arquetípica composición del norteamericano como es <i>Red River</i>. <i>Fault Lines</i>, que comienza con un ritmo puramente rhythm and blues, como si de <b>Ray Charles</b> se tratase, sigue insistiendo en la misma fórmula añadiendo al conjunto un punto de angustia, perfectamente conseguido por su tono de voz, otro de los grandes elementos de este disco, sonando peculiar como siempre y más vivo que nunca. En <i>Forgotten Man</i>, en cambio, es el rock and roll más dinámico, con <b>Bo Diddley</b> como referencia, el encargado de guiar la banda.</div>
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La influencia de los sonidos negros lucirá en toda su expresión en el robusto blues, a lo <b>John Lee Hooker</b>,<i>Burn Out Town</i> o en la jazzistica y elegante <i>Full Grown Boy</i>; todavía estará presente, aunque más difuminada, en la pantanosa y abrasiva <i>Power Drunk</i> o en la inquietante y oscura <i>Shadow People</i>. Con <i>Sins of My Youth</i> llegará uno de los momentos más reposados y evocadores.</div>
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<a href="https://www.blogger.com/null" name="more" style="font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18.4799995422363px;"></a><br />
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Si aquello de la eterna juventud no estaría muy visto y manido, desde luego sería la expresión exacta para glosar al <b>Tom Petty</b> que se presenta en este <i>Hypnotic Eye</i>: rotundo en lo musical, contundente en sus ideas. Un disco de rock clásico, vibrante, actual, incisivo, divertido.... Si a alguien le suena extraño tantos halagos para el estadounidense eso es porque todavía no le consideraba como una de las grandes figuras actuales, entonces ahí está el error, y este brillante trabajo el antídoto para subsanarlo.</div>
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Escrito originalmente para: <a href="http://www.elgiradiscos.com/2014/09/tom-petty-heartbreakers-hypnotic-eye.html">http://www.elgiradiscos.com/2014/09/tom-petty-heartbreakers-hypnotic-eye.html</a></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpcLviIL72bEvB6VWuCGyRfBwCUg8l8uJmHe9ofbWZna29tfs671inzH0-qOjjwRtbXb_yMWMDN6RxQNtUk3X5rXFs-KRK5dW9WlPDR0HjR-gkgKpmeepT69ZfK-JVxJLB3_2ydZ4GA3ck/s1600/oscar+avenda%C3%B1o.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpcLviIL72bEvB6VWuCGyRfBwCUg8l8uJmHe9ofbWZna29tfs671inzH0-qOjjwRtbXb_yMWMDN6RxQNtUk3X5rXFs-KRK5dW9WlPDR0HjR-gkgKpmeepT69ZfK-JVxJLB3_2ydZ4GA3ck/s320/oscar+avenda%C3%B1o.jpg" /></a></div>
KEPA ARBIZU<br />
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Cuando se habla de que hay que prestar atención a las diferentes representaciones que el rock clásico está teniendo en los últimos años por parte de grupos/músicos ubicados en nuestras fronteras uno puede pensar que se trata de algún tipo de chovinismo o de cierta empatía extra musical, pero lo cierto es que aquellos que, principalmente aunque no solo, disfruten de este tipo de sonidos, no deberían dejar escapar la oportunidad de acercarse a algunas de ellas.</div>
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Dentro de ese conjunto a los que hay que prestar atención está Oscar Avendaño, itinerante músico del panorama gallego que ahora compagina su papel como bajista en los míticos Siniestro Total con su proyecto personal, Los Profesionales. Junto a ellos, con una formación cambiada totalmente en esta ocasión, publica su segundo disco, Demasiado oro, un título extraído de aquel relato de Jack London de igual nombre.</div>
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Este nuevo trabajo confirma que el contexto musical del que se nutren principalmente está ubicado en el sonido de raíces americanas, pero si bien en su disco predecesor lo hacían de una manera algo más monolítica, aunque eficiente, en este actual se descubre un interés por ampliar matices y cuidar más los detalles, representado por ejemplo en un exquisito manejo instrumental, algo que engrandece los temas que aquí aparecen. A pesar de ese clasicismo muy latente en su música hay que apuntar que a la hora de presentarlo lo hacen de una manera personal, sustentada entre otras cosas en su voz (profunda, rasgada y levemente dejada) así como en la manera de tratar las historias que palpitan en sus canciones, una mezcla entre socarronería, ironía y fatalismo, lo que les lleva a poder saltar de lo más gamberro a lo íntimo sin problemas. </div>
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Y es que este Demasiado oro, por lo menos lo que parece extraerse de él, está movido, me refiero ahora a sus letras, por un “leitmotiv” consistente en reflejar los encontronazos y desilusiones del día a día, incluido lo referente al propio negocio musical, con alguna dedicatoria muy explicita, pero también con la determinación de afrontarlo y sobreponerse, algo que incluso se podría relacionar con el hecho de que hayan tenido que recurrir al “crowdfunding” para sacar adelante el disco. </div>
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Estamos ante un trabajo que no esconde para nada cuales son sus referentes ni de qué intérpretes es deudor, pero demostrando un sano descaro para interpretarlos. El aire sureño empapa el medio tiempo de El suelo, otra vez, del que sobresale un estribillo realmente conseguido, por el que nos encontramos con reminiscencias que pueden abarcar desde The Rollings Stones a The Band. El viento, una de las composiciones estrella, suena como una mezcla de José Ignacio Lapido con un ambiente psicodélico “made in San Francisco”. En Poster central añadirán un toque soul, a la forma y manera de Rod Stewart. </div>
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Una faceta más desvergonzada y gamberra es la que van a mostrar en Siéntate y mira, de nuevo los riffs nos llevan de la mano hasta el binomio “Sus Satánicas Majestades”-Faces, o en Perdí mis gafas de sol, donde arremeten con un rock and roll de ritmo boogie. Justo en el otro extremo, y demostrando la versatilidad que esconde el álbum, nos podemos topar con el elegante instrumental, mitad The Shadows mitad Ennio Morricone, Los Fortunas (perfecta banda sonora para el relato que da nombre al álbum) además de con composiciones íntimas y lentas como La pecera, con una armónica puramente “dylaniana” o la nostálgica pero pegadiza, en un “in crescendo”, Todas las canciones. </div>
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Demasiado oro no nos muestra sólo a las claras que Oscar Avendaño & Los Profesionales son unos enamorados/conocedores del sonido americano clásico, sino también unos ejecutores perfectos de él. Si a eso le añadimos unas cuidadísimas maneras a la hora de trabajar las canciones y una personalidad propia, el resultado es un muy buen disco de rock. Tan sencillo (y complicado a la vez) como eso. </div>
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Escrito originalmente para: <a href="http://www.elgiradiscos.com/2014/09/oscar-avendano-los-profesionales.html">http://www.elgiradiscos.com/2014/09/oscar-avendano-los-profesionales.html</a>Kepahttp://www.blogger.com/profile/12884861495726188321noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8991709178227137589.post-64649691711555142562014-09-02T18:22:00.002-07:002014-09-02T18:28:29.671-07:00“We Will Reign”, The Last Internationale. Blues-rock de puño en alto<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_molDH7LgxWxeYLV-B2KGIYJ6rZTIaWHwbpK1iXDYFEOF2-erby-kwkP4DJGBqPdQ1_rfCukyk1-jtlwEV0uxyADqQqT5ToasN9URcq63uqWyom11x6u9oRdzeCGOY3vhYf6FMTNtWj4X/s1600/last-internationale-we-will-reign.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_molDH7LgxWxeYLV-B2KGIYJ6rZTIaWHwbpK1iXDYFEOF2-erby-kwkP4DJGBqPdQ1_rfCukyk1-jtlwEV0uxyADqQqT5ToasN9URcq63uqWyom11x6u9oRdzeCGOY3vhYf6FMTNtWj4X/s320/last-internationale-we-will-reign.jpg" /></a></div>
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KEPA ARBIZU<br />
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La imagen de músicos participando activamente en manifestaciones o protestas ciudadanas nos lleva casi inconscientemente a ubicarnos en décadas pretéritas. Pero no siempre es así, por ejemplo no es raro ver a Delila Paz y Edgey Pires, dúo creador de The Last Internationale, tomando parte con sus guitarras en concentraciones organizadas en su país, Estados Unidos. Y es que estamos ante una banda que tiene como parte esencial una actitud airada y reivindicativa, tomando así el relevo, también en parte de lo estrictamente musical, de una serie de intérpretes que resaltaron por su compromiso social.</div>
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Su nuevo disco, “We Will Reign”, por si fuera necesario todavía exaltar más su condición militante, ha contado con la colaboración “ejecutiva” de Tom Morello, miembro de una de las últimas grandes bandas políticas como era Rage Against the Machine y actualmente figura representativa de la izquierda musical norteamericana. Además, la producción ha corrido a cargo de Brendan O’Brien, un dato este sí relevante en cuanto a sus consecuencias. Como es habitual en el que ha sido colaborador en los mandos de gente como Pearl Jam, AC/DC o Bruce Springsteen entre otros muchos, opta por recrear un sonido rotundo pero muy limpio y de alguna manera accesible, lo que en esta ocasión se ha manifestado limando algo todo ese mejunje de influencias (desde el folk al punk pasando por el rock and roll) que había demostrado el grupo, hasta situarlo, en general, en un blues-rock contundente y rítmico.</div>
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Para verificar esta idea nos vale con acercarnos al primer tema del disco, “Life, Liberty and the Pursuit of Indian Bloood”, en el que se deja ver la influencia de la PJ Harvey más directa y que se convierte a la postre en una bofetada guitarrera, con su dosis de angustia, de enjundia. Siguiendo esa misma estela estilística, “Killing Fields” se adentra en el hard rock construyendo unos riffs abrasivos, que nos llegan a recordar a los anteriormente mencionados RATM, no obstante el batería que se ha unido al grupo es Brad Wilk, integrante de la banda citada. “Fire” sigue desarrollándose sobre la base de sonidos negros pero esta vez a través de un medio tiempo que opta por la épica, algo de lo que también hará ostentación la más envolvente, acercándose a los Jefferson Airplane, pero todavía pegadiza, “We Will Reign”. Ambas logrando un resultado notable.</div>
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De una manera más o menos obvia las raíces del sonido americano más clásico también se abren paso, o como mínimo dejan algunas pistas, en “Wanted Man” , donde se puede intuir ese tono recitativo de Joan Baez llevado hacia un contexto mucho más rockero, o en el rock and roll setentero más incisivo y salvaje que se manifiesta con dureza en “1968”. El sonido folkie también dejará su impronta, de una forma algo almibarada en “Battleground” , mientras que en la acústica“Devil’s Dust” o en la profunda “I’ll Be Allright” lo hará de manera más fidedigna, aunque siempre bajo ese estilo característico de la banda pegadizo y actual.
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The Last Internationale pretende ser una acumulación de músicas pasadas y sobre todo empapadas de denuncia social, que incluirían desde Woody Guthrie al espíritu punk o MC5, presentadas en un envoltorio actual y rabioso. La voz y carisma de Delila, clamando principalmente contra la alienación, llamando a la revolución, o recordando a los explotados, es una muy buena carta de presentación, pero es cierto que la evolución que la banda está mostrando va encaminada hacia un estilo más directo, apoyado principalmente en ese blues rock energético y asequible, eliminando los matices provenientes de los sonidos de raíces, algo que desde el principio se atisbaba con claridad en este proyecto. A pesar de eso, su energía, rabia, junto a su desenvoltura en este contexto musical les confiere un empaque y una frescura que no debería de impedirles ser una perfecta banda sonora para unos tiempos convulsos y de su lógica, y necesaria, respuesta ciudadana.</div>
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Escrito originalmente para: <a href="http://tamtampress.es/2014/08/31/we-will-reign-the-last-internationale-blues-rock-de-puno-en-alto/">http://tamtampress.es/2014/08/31/we-will-reign-the-last-internationale-blues-rock-de-puno-en-alto/</a></div>
Kepahttp://www.blogger.com/profile/12884861495726188321noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8991709178227137589.post-65049727448223500052014-07-10T17:50:00.000-07:002014-07-10T17:50:01.192-07:00‘Emma Jean’, de Lee Fields & The Expressions<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdQw4w589w7DUYQKJ0cKp2TP1d0eHzUjc4CDYgc2eQR0lfbq8GaThpDMyZcm32wy_Zgyvq-fzWi6f9d1lPkmSVkYvwVyfvzhQFSlGgrcLgToCxvdmrl1OwB9DDRVTkKP_02RpHaP7gVPpw/s1600/lee-fields-and-the-expressions-magnolia.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdQw4w589w7DUYQKJ0cKp2TP1d0eHzUjc4CDYgc2eQR0lfbq8GaThpDMyZcm32wy_Zgyvq-fzWi6f9d1lPkmSVkYvwVyfvzhQFSlGgrcLgToCxvdmrl1OwB9DDRVTkKP_02RpHaP7gVPpw/s320/lee-fields-and-the-expressions-magnolia.jpg" /></a></div>
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KEPA ARBIZU<br />
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Puede sonar a repetitivo e incluso a campaña de marketing, pero es totalmente cierto que el soul en la actualidad vive un momento realmente interesante, y dejar pasar todo lo que se está cocinando en él en base a las adoraciones exclusivistas del pasado sería todo un error. No estamos hablando de casos puntuales o de grandes figuras que eclipsan a todos los demás, al contrario, asistimos a una efervescencia de lo más variada, y como no podía ser menos, dentro de esa amalgama nos podemos encontrar con artistas de una relativa edad y trayectoria considerable facturando discos que son auténticos aldabonazos de intensa pasión. Hablamos, por ejemplo, de Lee Fields. </div>
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El intérprete norteamericano lleva en activo desde finales de los años sesenta, pero su carrera adolece de una trayectoria constante y sí, por el contrario, con remarcados altibajos. Se podría decir que su reconocimiento unánime está fechado en el momento en el que se encuentra con su actual banda de acompañamiento, The Expressions, lo que se traduce en la publicación de My World en el 2009. Unos músicos que no sólo le han acompañado en ese recorrido a la hora de establecer su estilo musical, en el que paulatinamente ha ido profundizando, sino también cada vez mostrándose más potentes y tomando un lugar destacado. </div>
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Un camino éste que encuentra en el nuevo álbum lo que parece la culminación del trayecto. Un disco inyectado de melancolía, no obstante el título de Emma Jean hace referencia a su madre muerta, y soledad, ya sea tratada desde una mirada interna o desde un punto de vista más colectivo, lo que todavía redunda más en la idea de trabajar un soul intenso y grave pero siempre muy bien matizado. Una grabación que ha tenido lugar en los estudios del últimamente ubicuo Dan Auerbach, que también ha aportado a la mezcla y producción, incluso llegando a escribir uno de los temas (Paralyzed). </div>
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Un bajo palpitante y un teclado juguetón son los que nos introducen en el disco por medio de Just Can’t Win, en el que nos topamos con la personal voz de Lee Fields, rasgada y emotivamente erosionada por el paso del tiempo que nos recuerda a clásicos como Wilson Pickett. Ese tono emocional e íntimo irá aumentando en canciones como Magnolia, brillante versión de JJ Cale, o Paralyzed, una composición del líder de The Black Keys en la que se nota su impronta en el sonido, pero en las que todavía se observa cierta contención en detrimento de una gran elegancia. </div>
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Será con la llegada de Eye to Eye, con destellos de intensidad a lo James Brown, Still Gets Me Down o Don’t Leave Me this Way, donde se observan los ecos de Solomon Burke, cuando el dramatismo y la épica vayan tomando su representación más acentuada, logrando momentos realmente sobresalientes y sobrecogedores. Más rítmico sin embargo se va a mostrar en la robusta Talk to Somebody, toda una demostración de de The Expressions, o en la ya abiertamente funk y más luminosa Standing by Your Side. Con Stone Angel llegará el momento en el que coquetee con construcciones algo más “modernas”, llegando prácticamente a rapear en un entorno musical más ambiental y envolvente. </div>
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Emma Jean es un magistral disco que supone la consolidación del proyecto musical que han formado Lee Fields y The Expressions, una banda que con este trabajo da un paso adelante definitivo tomando un papel esencial a la hora de conformar ese soul intenso y emocional que ha conseguido el cantante norteamericano. En sus canciones vamos a encontrar los ecos de muchas de las voces clásicas del género, pero ni mucho menos se trata de una mera recreación de estilos, sino la materialización del suyo propio y la inscripción de su nombre como referencia ineludible. </div>
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Escrito originalmente para: <a href="http://www.paisajeselectricos.com/2014/06/25/emma-jean-de-lee-fields-the-expressions-2/">http://www.paisajeselectricos.com/2014/06/25/emma-jean-de-lee-fields-the-expressions-2/</a>Kepahttp://www.blogger.com/profile/12884861495726188321noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8991709178227137589.post-33810983135204346802014-06-22T17:34:00.000-07:002014-06-22T17:34:04.652-07:00Natalie Merchant: “Natalie Merchant” <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3lYc1xxc6KwF3nXza6wLON8SqUvLcCCdMKvODjPLlgDoMPkBvWbo4hyphenhyphenWXrYK-4COHCNflJqrcebfbrYGfShOmBU79aJr_iBVScgFt7BaXiMBDG8wbjcegoBZ5SM5skU2oqX1LRnPpkw7v/s1600/Natalie_Merchant_(album).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3lYc1xxc6KwF3nXza6wLON8SqUvLcCCdMKvODjPLlgDoMPkBvWbo4hyphenhyphenWXrYK-4COHCNflJqrcebfbrYGfShOmBU79aJr_iBVScgFt7BaXiMBDG8wbjcegoBZ5SM5skU2oqX1LRnPpkw7v/s320/Natalie_Merchant_(album).jpg" /></a></div>
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KEPA ARBIZU<br />
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Natalie Merchant fue la cantante durante su primera época de 10.000 Maniacs, una curiosa banda neoyorquina que se manejaba de forma resultona entre el pop-rock alternativo y el folk construyendo a la postre un sonido accesible. Movida por un indudable sentido de ahondar en su personalidad creativa, abandonó dicho proyecto para embarcarse en una carrera en solitario que con este disco homónimo cumple su sexto episodio. Hablando con exactitud, estamos ante el primer álbum con material propio en los últimos 13 años, ya que sus dos grabaciones anteriores se basaron en adaptaciones de un tipo u otro. </div>
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En esta andadura individual de la norteamericana se observa un evidente tránsito hacia un sonido más curtido y por encima de todo más íntimo. Un trayecto que ha supuesto también darle más preponderancia a los sonidos clásicos de raíces, aunque sigue estando presente esa facilidad que siempre ha demostrado desde los tiempos con su banda para crear ritmos y melodías contagiosas y pegadizas. </div>
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Otra de las capacidades que han destacado en Natalie Merchant desde siempre es su habilidad como letrista. Una tarea en la que supo integrar dentro de una actitud más festiva una mirada profunda e incluso dejar paso a su lado más reivindicativo. Habilidades que todavía hoy mantiene y que el inevitable paso del tiempo, no olvidemos que empezó con 10.000 Maniacs con apenas veinte años y ahora sobrepasa los cincuenta, en este ocasión ha perfeccionado, añadiendo madurez a sus composiciones y sabiendo engrosar a la perfección en ellas un tono poético. </div>
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Hay un tipo de canciones en este disco que están construidas bajo el armazón de un cuidadoso trabajo de instrumentación, muy palpable pero siempre supeditado a remarcar la elegancia que transmite la cantante. Así se desarrolla la deliciosa Ladybird, un rock americano sobrio y delicado adornado por dicho trabajo de acompañamiento. En ese mismo sentido, pero esta vez añadiéndole potencia por medio de un ritmo entre gospel y soul, que incluye la suma de la voz de Corliss Stafford, aparece Go Down Moses, en la que pervive todavía el espíritu del Katrina. Giving Up Everything va a optar por remarcar su poder ambiental y angustioso mientras que la excelente Lulu, dedicada a la actriz de cine mudo Louise Brooks y con una pertinente introducción totalmente “vintage”, acaba por desarrollarse de una forma realmente intensa. </div>
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Sin embargo hay otro tipo de temas que optan por la crudeza, lo que quiere decir un sentido de la composición menos cargado, con mayor presencia de la guitarra y cercano al folk, acercándose a postulados que pueden abarcar desde Joni Mitchell a Joan Baez. Ejemplos de esto son Maggie Said, en la que recrea las reflexiones de una mujer de su edad; Texas, de una desnudez remarcable, o los acercamientos más pantanosos y sombríos por medio de Seven Deadly Sins, con influjo de Nueva Orleans, o la “bluesera”, a un modo similar al de Dayna Kurtz, Black Sheep. </div>
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Este disco homónimo de Natalie Merchant representa a la perfección el estado de madurez en el que se encuentra la intérprete. Un término que hay que entenderlo como la consagración de un camino que trata de asimilar la música de raíces dentro de su visión personal, siempre elegante y delicada y con una lírica cuidada y fuera de lugares comunes, dispuesta a reflexionar sobre su persona y lo que le rodea. </div>
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Escrito originalmente para: <a href="http://www.elgiradiscos.com/2014/06/natalie-merchant-natalie-merchant.html">http://www.elgiradiscos.com/2014/06/natalie-merchant-natalie-merchant.html</a>Kepahttp://www.blogger.com/profile/12884861495726188321noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8991709178227137589.post-79775313604860267142014-06-17T18:28:00.001-07:002014-06-17T18:28:10.933-07:00The Milkyway Express: “Perrorosa” <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgItALaKUnKjVBIvNAaDUYitGBDmnGUVPSDq8vv0pJHRUYgV3hKE_HwgnfCgHWCu3tjTezz8GP2644lOyZp08wtO68Pdn8EFW2v3k-ZjcMnsUStkHlCLSW7HxxJEll_UPHs6USxQ2V7VKi5/s1600/perrososa.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgItALaKUnKjVBIvNAaDUYitGBDmnGUVPSDq8vv0pJHRUYgV3hKE_HwgnfCgHWCu3tjTezz8GP2644lOyZp08wtO68Pdn8EFW2v3k-ZjcMnsUStkHlCLSW7HxxJEll_UPHs6USxQ2V7VKi5/s320/perrososa.jpg" /></a></div>
KEPA ARBIZU<br />
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Para unos cuantos fue con su segundo disco, One Day in Summer, cuando los andaluces The Milkyway Express terminaron de poner sobre la mesa su nombre y sus credenciales como ejecutores de un excelente sonido americano. Sus armas son conocidas: rock influenciado por las raíces clásicas del género interpretado con una excelencia sorprendente y siempre bajo un tono profundo y contundente, en lo que influye de forma decisiva el derroche de voz de su cantante. </div>
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Bajo estas referencias aparece su nuevo álbum Perrorosa. Un trabajo en el que vuelven a tirar de las características ya mencionadas pero en el que también se observa la decisión de ir un paso más allá. Dicha intención puede ser vista como una manera de evitar posibles encorsetamientos a pautas demasiado definidas (aunque no hayan dado hasta la fecha signos de ello) y así presentarse con una identidad propia más marcada. El camino emprendido pretende a la larga llevar ese sonido más clásico por terrenos donde las ambientaciones se retuercen y el sonido en general se endurece. </div>
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Los andaluces toman en definitiva la determinación con su nuevo álbum de no conformarse con aquella máxima que reza “si funciona mejor no cambiarlo”, y a pesar de haber ofrecido hasta la fecha dos rotundos discos, se embarcan en la siempre arriesgada misión de “evolucionar”. Una labor en la que vuelven a contar con Jordi Gil a la hora de realizar la grabación y en la que se han rodeado de algunos colaboradores, entre los que destaca uno de los músicos que actualmente mejor se sabe empapar de la herencia pantanosa de este tipo de sonidos: Perico de Dios, de Guadalupe Plata. </div>
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Penitencia es la encargada de abrir este trabajo y de paso servir ya desde un primer momento para descubrir los vericuetos que nos tienen preparados. Asistimos en esta ocasión a un blues entre psicodélico y desértico, donde se impone lo instrumental y sobresale un trabajo de guitarras que será constante a lo largo del desarrollo del álbum. Lost Dogs, aunque todavía con la música negra como elemento director, se acerca a los desarrollos musicales típicos del rock alternativo de los noventa, un contexto en el que rugen por igual voz y armónica. </div>
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Esos ingredientes que han ido añadiendo a su propuesta tiene uno de sus momentos más definitivos en Goodnight Butcher, donde no se cortan a la hora de juguetear con sonidos electrónicos para sumarlos a la creación de ese entorno psicodélico que acaba por explosionar en un hard-rock de corte épico que nos lleva a situarlo no muy alejado de grupos como The Cult e incluso Clutch. La otra cara de la moneda será Something’s Wrong, que supone su reverso sureño, y en definitiva puramente americano, con una melodía más directa y pegadiza. </div>
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La irrupción, o aportación, del sonido campestre también va a tener su momento, pero cómo no, hará aparición de una manera algo retorcida. Nos podremos encontrar con canciones que toman ese legado para hacerlo sonar con energía y por momentos frenesí punk, influenciados por espíritus arrebatados como Scott H. Biram, (Pecado o Hi Hi), e incluso trasladándonos a un terreno más íntimo como al que nos empuja Bloody Boots. Entre tanta intensidad y tensión se agradece la luz que emana de un tema tan bien acabado como Lonesome Man, que nos insufla de repente aroma de pop sesentero. </div>
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The Milkyway Express habían demostrado con sus dos trabajos anteriores ser unos conocedores y magníficos ejecutores de las raíces del sonido americano, además lo hacían con una intensidad y personalidad fuera de lo común, pero todavía con este disco han apostado por mostrar esa idea de una forma más cruda y abierta a otras influencias. El resultado es un trabajo realmente especial y de altísima calidad, todo un viaje fascinante y adictivo por los espacios sombríos. </div>
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Escrito originalmente para:<a href="http://www.elgiradiscos.com/2014/05/the-mikyway-express-perrorosa.html">http://www.elgiradiscos.com/2014/05/the-mikyway-express-perrorosa.html</a>Kepahttp://www.blogger.com/profile/12884861495726188321noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8991709178227137589.post-9911475101651292842014-06-05T17:57:00.000-07:002014-06-05T17:57:03.662-07:00‘Childhood Home’, Ben & Ellen Harper<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6M4ge-MM3erYLnshMb9VCZpwMTMpfj4iUAEf5908vfHMPfHQ5DiWum0-AvdfKb0aeFUISjAEo_H-blKgsgG0bP8M9oFN6cizc-zcAzI3BkCOjcpm-aCEbxu-QDUoRj8ZYCNurqU50Mwnl/s1600/homecover.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6M4ge-MM3erYLnshMb9VCZpwMTMpfj4iUAEf5908vfHMPfHQ5DiWum0-AvdfKb0aeFUISjAEo_H-blKgsgG0bP8M9oFN6cizc-zcAzI3BkCOjcpm-aCEbxu-QDUoRj8ZYCNurqU50Mwnl/s320/homecover.jpg" /></a></div>
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KEPA ARBIZU<br />
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No sería descabellado definir a Ben Harper como un casi “stajanovista” del rock. Desde hace unos cuantos años son ya muchos los proyectos/discos en los que ha tomado parte. Además de variados en su forma y poseedores de una calidad media notable, siempre ha buscado ir un paso más allá de meramente engordar su currículum y ha decidido buscarse aliados y colaboradores con los que llegar a una meta común. El más reciente de ellos involucra a su propia madre, Ellen Harper. </div>
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Childhood Home es un álbum que habla de la infancia, de la unión familiar, pero lo hace sin falsas sensiblerías. No obstante presenta dichos temas desde una perspectiva realista, nostálgica e incluso en ocasiones dolorosa, en la que intervienen los problemas, los fallos cometidos o la crudeza del entorno. El binomio hijo y madre no es en esta ocasión un artificio extra musical, ya que ella ha tenido un papel fundamental en el desarrollo de la carrera de su hijo al dirigir en Claremont (California) un museo y centro musical por el que han pasado diferentes intérpretes y en el que el joven Ben adquirió sus primeros conocimientos. </div>
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Estamos ante un trabajo, por lo tanto, que es una reivindicación de las raíces de una manera total. Si ya ha quedado clara la unión sanguínea que palpita en él, también existe una obvia recuperación estilística de los primeros pasos del propio músico, lo que significa optar por un sonido acústico y un contexto mucho más “folkie”. Visto así pudiera parecer a priori no tener mucho que ver con su disco anterior, en el que formaba dúo con el mítico armonicista de blues Charlie Musselwhite (Get Up!), pero en el fondo subyace el mismo interés por rebuscar en los orígenes, haciéndose acompañar de sus representantes. </div>
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Aunque es evidente que el peso casi total del álbum lo lleva la familia Harper (ambos se reparten la composición de los temas) , tampoco hay que obviar la presencia, y el papel que juegan, de algunos de los componentes habituales de su banda. Entre todos ellos dan forma a un trabajo que contiene un sonido muy homogéneo y que claramente apuesta por crear una ambientación agradable y emotiva, en la que tiene mucho que ver la forma de empastar las voces de ambos. Con esas características y teniendo en cuenta que principalmente es el folk-country el guía estilístico de casi todas las composiciones, es lógico, a pesar de las muchas diferencias que se pueden esgrimir, pensar en duetos formados a lo largo de la historia como Gram Parsons y Emmylou Harris, Richard y Linda Thomspon o Buddie y Julie Miller. </div>
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Dentro de ese sonido de raíces, en un entorno plácido y acogedor, se moverá un tema como A House Is a Home, e incluso la más melosa Altar of Love, donde toma protagonismo Ellen. El mismo que mantiene en una melodía más arrastrada, y dejando paso a un tono más campestre, aunque siempre con la delicadeza que marca el tono general del álbum, como la de City of Dreams. En un lado más profundo se encuentra la preciosa Heavyhearted World, mientras que Farmer’s Daughter se presenta más desértica con influencia del blues y el gospel. </div>
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Sin salirse nunca demasiado de ese camino musical ya mencionado hay algunas composiciones que sí parecen acercarse sigilosamente a esa intensidad y personalidad que ofrece habitualmente la música de Ben Harper; ya sea por medio de la sensible y épica How Could We Not Believe, la más intensa Learn It All Again Tomorrow o la emotividad soul de Born to Love You. </div>
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Si hubiera que definir con un adjetivo Childhood Home sería el de delicioso. Su sonido cálido y amable es capaz de arropar al oyente, sensaciones en perfecta comunión con la idea central que maneja el álbum. Si bien es cierto que Ben Harper donde mejor se maneja es en los sonidos negros, esta colaboración con su madre ofrece unos muy destacables réditos, algo que sirve para confirmar la condición de “todoterreno” del intérprete norteamericano y además con el mérito añadido de saldarlo con buena nota siempre. </div>
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Escrito originalmente para: <a href="http://www.paisajeselectricos.com/2014/05/20/childhood-home-ben-ellen-harper/">http://www.paisajeselectricos.com/2014/05/20/childhood-home-ben-ellen-harper/</a>Kepahttp://www.blogger.com/profile/12884861495726188321noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8991709178227137589.post-51514456041904787122014-05-28T19:29:00.002-07:002014-05-28T19:29:18.491-07:00Julián Maeso: “One Way Ticket to Saturn” <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1amHKC3CnHVp_2KVs_eLduywgZnFtMS1TX_PEHzv7b77aOMCdIjJUL3p4AJzufFVsyOiwnOkcje7JZuyhemnGPruJe2rp2QiKMpR6fs17jTTcFAV-HQ4VokoRnvpJMngME3xE_F0fgty8/s1600/Juli%C3%A1n-Maeso-One-Way-Ticket-to-Saturn.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1amHKC3CnHVp_2KVs_eLduywgZnFtMS1TX_PEHzv7b77aOMCdIjJUL3p4AJzufFVsyOiwnOkcje7JZuyhemnGPruJe2rp2QiKMpR6fs17jTTcFAV-HQ4VokoRnvpJMngME3xE_F0fgty8/s320/Juli%C3%A1n-Maeso-One-Way-Ticket-to-Saturn.jpg" /></a></div>
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KEPA ARBIZU<br />
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Julián Maeso asombró a buena parte del público con su disco debut de hace dos años, Dreams Are Gone. A pesar de ser su estreno en solitario no estábamos ante un recién llegado. Al contrario, ya había formado parte de diferentes grupos, por ejemplo The Sweet Vandals o The Sunday Drivers, o había ejercido como músico para nombres tan ilustres como M-Clan o Quique González. Esto significa que su talento estaba ya del todo contrastado aunque situado fuera del foco principal, el mismo que ahora alumbra y engrandece su figura. </div>
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En este contexto nos situamos ahora delante de One Way Ticket to Saturn, el segundo disco bajo su nombre. Un trabajo para el que se ha rodeado de una banda fija formada por Paco Cerezo (bajo), Antonio Pax (batería) y Pere Mallén (guitarra) pero a la que hay que sumarle la colaboración de gente tan relevante como Ken Stringfellow (The Posies) o integrantes de bandas como Freedonia o Vetusta Morla, por ejemplo. En la producción, por su parte, ha vuelto a contar con Javier Ortiz y Sergi Fecé. A todo ello, evidentemente, hay que añadir sus portentosas maneras como instrumentista, especialmente en los teclados, algo que se ha consolidado ya como una de las marcas identificativas de su sonido. </div>
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Aunque en este nuevo trabajo podemos hablar de un espíritu continuista en cuanto a las raíces musicales, en líneas generales, a las que acude, también hay uno rupturista en lo relacionado con la actitud que desprenden las canciones. Ya desde el mismo título podemos descubrir un matiz que a la larga se vuelve revelador respecto a ese carácter diferenciador con su predecesor. Y es que si en el primero había una referencia evidente a lo perdido, y por lo tanto un sentimiento más desolado, en éste hay un tono más vivo y activo, planteando una actitud más envalentonada. Definiciones que son aplicables al sentimiento que desprende el álbum pero también hacia el tipo de composiciones, de las que desaparece ese espíritu blues que abundaba. </div>
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En lo que ya parece haberse consolidado como estilo propio del músico tiene un papel clave la utilización del rock setentero, el que sobresaldrá, al estilo que lo pueden ejecutar bandas como Little Feat o J. Geils Band, en temas como I Must Have Been Dreaming. Bajo un ritmo más trotón y situándonos mentalmente en largas carreteras aparece Leave It in Time; por su parte Someday Maybe Someday aprieta músculo optando por un hard rock de la escuela The Black Crowes. El deje sureño más sugerente llegará de la mano de We Can’t Keep on Waiting for Good Times to Come. </div>
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Otro de los elementos claves en el mundo creativo de Maeso es la música negra, ámbito en el que habrá espacio para sacar su lado más elegante por medio del jazz de Get Ready, Get Strong, pero en el que tendrá un peso específico el soul, ya sea con su forma más emotiva, por ejemplo en la emocionante Through an Early Honeymoon, o por medio de su vena más funk, como deja patente en One Way Ticket to Saturn o a la hora de llevar por esos caminos la mítica canción de Sam Cooke A Change Is Gonna Come. Una decisión en la que de nuevo se puede observar ese intento por cambiar el espíritu respecto al pasado disco, en el que nos podíamos encontrar con un título casi antitético como A Hurricane Is Coming. </div>
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No era necesario un disco como este One Way Ticket to Saturn para consolidar las aptitudes como músico de Julián Maeso, algo demostrado con total solvencia a lo largo de los años, pero desde luego sí que sirve para situarlo como un intérprete y compositor sobresaliente. Consigue así dar vida a unas canciones que conectan a la perfección con los sonidos clásicos americanos, en los que se desenvuelve con una soltura ejemplar, ya sea tanto con su impecable manejo de los teclados, aunque no sólo, como con su voz, rotunda y rasgada. </div>
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Escrito originalmente para: <a href="http://www.elgiradiscos.com/2014/05/julian-maeso-one-way-ticket-to-saturn.html">http://www.elgiradiscos.com/2014/05/julian-maeso-one-way-ticket-to-saturn.html</a>Kepahttp://www.blogger.com/profile/12884861495726188321noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8991709178227137589.post-69935657819610188342014-05-20T18:18:00.002-07:002014-05-20T18:18:20.452-07:00“Red Beans and Weiss”, de Chuck E. Weiss. Eternamente maldito<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvgCmTLuDi4UjLb09T4aBIPNcQzwz4Wt8aIqwyEKFgGyb-IQcgQGGIOpxYEmz2y-C8sRottfiF7CmHsafgT1j7q1sEGrHb-AiRDELoqRup-xNozLipx-PuJvTHvHRtPIP16KjVGoZBMQsG/s1600/weiss+portada.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvgCmTLuDi4UjLb09T4aBIPNcQzwz4Wt8aIqwyEKFgGyb-IQcgQGGIOpxYEmz2y-C8sRottfiF7CmHsafgT1j7q1sEGrHb-AiRDELoqRup-xNozLipx-PuJvTHvHRtPIP16KjVGoZBMQsG/s320/weiss+portada.png" /></a></div>
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KEPA ARBIZU<br />
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Admitámoslo, a priori no debe de ser nada gratificante la situación de un músico como Chuck E. Weiss, donde buena parte de su fama viene dada por la aparición de su nombre en una conocida canción (“Chuck E.’s In Love”, de Rickie Lee Jones) y de la amistad con un compañero tan emblemático como es Tom Waits. Con este último además, y ya por ir entrando en su semblante, guarda en común, al margen de correrías, un cierto universo vital/literario/musical. </div>
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Es cierto que el autor que acaba de editar su nuevo álbum, “Red Beans and Weiss”, tampoco ha hecho mucho, ni se ha preocupado, por tener una carrera estable ni por hacerse un hueco en el negocio musical. Si analizamos cronológicamente su trayectoria estamos ante su quinto disco, aunque el propio autor siempre ha desdeñado su primera grabación, “The Other Side of Town” (1981), al ser una decisión más discográfica que personal, por lo que su “debut” se materializará 18 años después con el “Extremely Cool”. A pesar de esta tardía aparición en el mercado ya tenía a sus espaldas un importante currículum, habiendo colaborado con leyendas del blues como Lightnin’ Hopkins, Willie Dixon, Muddy Waters o Howlin’ Wolf. </div>
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Para que su nuevo trabajo haya visto la luz han debido de transcurrir siete años. En él han tomado parte un buen número de los músicos que también estuvieron involucrados en aquel disco “inicial”, además de los mediáticos y amigos Tom Waits y Johnny Depp, haciendo las labores de productores ejecutivos, el segundo incluso realizando alguna aportación musical. Una alineación que deja bien a las claras la manera de afrontar Weiss sus grabaciones: sin ningún tipo de presión y siempre bajo un punto de vista prácticamente diletante.</div>
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Estamos ante un disco que como es habitual en su creador es heterodoxo, caótico y en el que se dan de la mano la excentricidad, el ingenio, la ironía y ese retrato “outsider” de la realidad. En la parte más aguerrida y guitarrera destacan composiciones como “Tupelo Joe”, que gira alrededor del rockabilly el psichobilly, o lo que puede ser lo mismo a medio camino en Tav Falco y The Cramps, con un soniquete repetitivo, o la brillante y correosa “Dead Man’s Shoes”, influida también por el rhythm and blues y donde sobresale el lado fiero de su particular tono de voz rasgado y aguardentoso. </div>
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El ambiente se vuelve más denso, se inunda de humo y se bajan las luces para que haga aparición el jazz misterioso, además de elegante en su instrumentación, que ejecuta en “Sushie”. Siguiendo con los sonidos negros se enfrentará a ellos por medio del blues distorsionado y extraterrestre a lo Captain Beefheart en “Boston Blackie”, o lanzándose sin red a ritmos más modernos en los que encaja a la perfección esa forma de frasear, que se asemeja al rapeado, en canciones como la funky “That Knucklehead Stuff”. </div>
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Haciendo gala de su habitual falta de prejuicios musicales se va a atrever a versionar a The Rolling Stones, y además lo hará tomando un tema descartado de aquel magistral “Exile on Main St.” titulado “Exile on Main Street Blues”. En él se acopla perfectamente a la esencia de la banda por medio de ese rock and roll sureño y pantanoso pero llevado a un terreno más orquestado y menos crudo. Metido en dicha en materia, va a profundizar en esos terrenos fangosos yéndose directamente hacia Nueva Orleans y su habitual colorido, ya sea en la sugerente y tribal “Kokamo (Boy Bruce)”, en “Old New Song”, o en la divertida “Willy’s in the Pee Pee House”. Pero por si para alguien no hubiera tenido suficiente sabor el disco, todavía habrá espacio para los sonidos mexicanos de “Hey Pendejo”. </div>
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Chuck E. Weiss sigue haciendo gala de ese “malditismo” que siempre ha atesorado. Una condición que le lleva a utilizar la música como una forma de expresión pura, alejada de encorsetamientos, ya sean estilísticos o mercantiles, convirtiéndola en un claro canto de libertad en todos los sentidos. Una decisión que conlleva a veces cierta defenestración y la dificultad para ser asimilado mayoritariamente. Pero así es la vida de este tipo de personajes, a los que irremediablemente hay que querer, por necesarios y magníficos, y si es con discos tan frescos y notables como este “Red Beans and Weiss”, todo es mucho más fácil. </div>
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Escrito originalmente para: <a href="http://www.culturamas.es/blog/2014/05/09/red-beans-and-weiss-de-chuck-e-weiss-eternamente-maldito/">http://www.culturamas.es/blog/2014/05/09/red-beans-and-weiss-de-chuck-e-weiss-eternamente-maldito/</a>Kepahttp://www.blogger.com/profile/12884861495726188321noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8991709178227137589.post-39310730067465617622014-05-13T18:35:00.003-07:002014-05-13T18:35:37.955-07:00Nat Simons: “Home on High” <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZLOPxW2Bda1DTpd9nOra0Xr3agD-GqdcxbZ4vj0skGrFEIkj20YL3xg92hGBa2wolbq1444L_fxkFCTFXwc4jiYmVzylKeza70L4Z8FZzWuRJKZZmGzYaANVBFunQbMFq7zRHKHmlbvIm/s1600/Nat+Simons+Home+on+high.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZLOPxW2Bda1DTpd9nOra0Xr3agD-GqdcxbZ4vj0skGrFEIkj20YL3xg92hGBa2wolbq1444L_fxkFCTFXwc4jiYmVzylKeza70L4Z8FZzWuRJKZZmGzYaANVBFunQbMFq7zRHKHmlbvIm/s320/Nat+Simons+Home+on+high.jpg" /></a></div>
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KEPA ARBIZU<br />
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Muchos ya habrán oído hablar e incluso habrán escuchado, y por lo tanto disfrutado, de este Home on High. Fue en diciembre del año pasado cuando salía a la venta en soportes digitales el trabajo debut de la madrileña Nat Simons. Ahora, con su presentación en formato físico, surge de nuevo la oportunidad de acercarse y/o descubrir unas canciones que ya han dado en su momento mucho de qué hablar y con motivos sobrados. </div>
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Natalia García, nombre real de la intérprete, ha construido un álbum sobre los mimbres que le proporcionan las raíces del sonido americano (folk, blues, rock...). Referencias que uno puede estar ya harto de leer, e incluso de escribir, pero que por habituales y, en muchas ocasiones, manidas que puedan sonar, no significa que en esta ocasión estén tratadas de una forma plana o irrelevante, al contrario, aquí se sabe extraer su, casi inagotable, esencia y transformarlas bajo una mirada personal, a base tanto de elegancia como de intensidad y sobre todo, y siendo a la larga uno de los elementos identificativos, de un uso de las melodías realmente cautivador. </div>
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Todavía se va a acentuar más esa mirada puesta en los clásicos si recopilamos algunos detalles como su propio título (Home on High), que hace referencia directa a uno de los versos de la canción Astral Weeks de Van Morrison, o la presencia en los controles de David Gwynn, un hombre que ya sea en facetas de músico o productor siempre ha estado cercano a este tipo de sonidos, tal y como se desprende de sus colaboraciones con músicos como Quique González, Christina Rosenvinge o Los Deltonos. </div>
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La presencia del folk más sobrio y austero se va a manifestar en el disco por medio de temas como Wheels & Dust o Real Boy, en las que es imposible no cruzarse con una de las influencias básicas de la intérprete, Bob Dylan (esos sonidos de armónica). La dulzura de su voz, junto a una instrumentación cálida y maravillosamente trabajada, se abre paso en la extraordinaria Antoher Coffee and Cigarette Day, que suena limpia y pura, transmitiendo esa paz y elegancia típica de artistas como Joni Mitchell o Joan Baez. Un ambiente más íntimo y profundo será el elegido para dar forma a Indian Trees. </div>
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Siguiendo con ese juego de matices y aportando pinceladas de otros géneros nos encontramos con composiciones como Big Liar, donde la ambientación campestre se viste de largo y sugerente por medio de ciertos toques jazz, los que se harán más visibles e importantes en Wild Way. La aparición de unos sobresalientes teclados en la pegadiza When the Music Doesn’t Sound nos adentra en terrenos blues, como los que se imponen en la sureña Ain’t No blues, no demasiado alejada de la propuesta de bandas como Grateful Dead. En Strange Music Avenue se presentará de forma juguetona a ritmo cabaretero, al estilo de The Kinks. </div>
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Home on High es un álbum clásico en cuanto a las influencias del sonido americano con las que trabaja, pero también es un trabajo abierto a diferentes corrientes y sensibilidades, acercándose a ellas con suma elegancia y talento. En definitiva, y dejando de lado cualquier intento por racionalizar su contenido , se trata de uno esos discos que enamoran y enganchan.</div>
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Escrito originalmente para: <a href="http://www.elgiradiscos.com/2014/04/nat-simons-home-on-high.html">http://www.elgiradiscos.com/2014/04/nat-simons-home-on-high.html</a>Kepahttp://www.blogger.com/profile/12884861495726188321noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8991709178227137589.post-13474415162398095542014-05-05T17:35:00.003-07:002014-05-05T17:35:41.992-07:00‘Caustic Love’, de Paolo Nutini<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdK5ddp65-0RQaBDcVL7HcgJbMRMNhnpBgJV3nu19YHa_PBC2M5B0eMCR2g3SSQWwoPCGoYq9RVcoJS5Anz_feU1HXlI-9GnlW5J848eElQ5oHRnO-VtmbSL_pZUYYf2hV0fF4jhce5EKp/s1600/Paolo-Nutini-Caustic-Love-2014-1200x1200.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdK5ddp65-0RQaBDcVL7HcgJbMRMNhnpBgJV3nu19YHa_PBC2M5B0eMCR2g3SSQWwoPCGoYq9RVcoJS5Anz_feU1HXlI-9GnlW5J848eElQ5oHRnO-VtmbSL_pZUYYf2hV0fF4jhce5EKp/s320/Paolo-Nutini-Caustic-Love-2014-1200x1200.png" /></a></div>
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KEPA ARBIZU<br />
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Que las apariencias engañan, o pueden hacerlo a menudo, es algo que a estas alturas debería estar más que asumido. Un buen ejemplo es el de Paolo Nutini. Si a su nombre le añadimos su aspecto, un joven “guaperas” de ojos claros, nos puede llevar a equívocos respecto al sonido que desarrolla. Invirtiendo un solo segundo en escuchar su voz, reconoceremos rápidamente la fascinante herencia negra, concretamente del soul, que desprenden sus cuerdas vocales, como si de un Ben Harper con un tono más rasgado se tratase. </div>
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No es una novedad en su música las influencias mencionadas. Es cierto que tanto en su anterior trabajo como en su debut, este Caustic Love es su tercer disco, habían estado presentes, pero la manera de aparecer era siempre difuminadas en la búsqueda de otros objetivos, en definitiva, sin llegar a mostrarse con la intensidad y naturalidad con la que en esta ocasión se ha decidido a hacer. </div>
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Han pasado cinco años desde su anterior lanzamiento, Sunny Side Up. Un intervalo de tiempo que el propio músico ha explicado como un lapso de espacio necesario para aceptar y saber maniobrar la fama. Una decisión que viendo el resultado final es de agradecer. Su reflexión y posterior aterrizaje en el suelo ha dado vida a un relativo pero muy obvio y satisfactorio cambio sonoro. Para ese camino ha vuelto a contar con Daniel Castelar, pero esta vez en las funciones de co-productor, y se ha hecho acompañar de una larga lista de músicos. </div>
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El disco se va a convertir en una sucesión de referencias clásicas de la música negra, pero no tratadas como una mera recopilación de sonido vintage, sino manejándolas de una forma actual y sin perder la esencia. La parte más funk y agitada llegará con Scream (Funk My Life Up), un ritmo ágil y pegadizo, con aroma también a gospel, o Fashion, menos incisiva y en la que se incluyen los “rapeos”, perfectamente prescindibles, de Janelle Monáe. Se trata de composiciones que trasladan el influjo de gente como The Temptations o Curtis Mayfield al siglo XXI. </div>
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Pero el álbum, en esa carrera por atraer todo tipo de influencias, aporta un buen número de canciones que optan por sacar el lado más íntimo y rasgado del escocés. Y para ello, por ejemplo, va a atreverse a versionar Let Me Down Easy, a la que incorpora la propia voz en sampler de Betty Lavette, o acercarse a los caminos de Sam Cooke en la románticamente intensa One Day. No va a faltar tampoco el aroma a Nueva Orleans por medio de Numpty; canciones para arrancarse la camisa como el baladón Better Man, a lo Otis Redding, o la sobrecogedora y profunda Iron Sky, en la que se cuelan fragmentos de El gran dictador de Charles Chaplin. Todo ello regado con algunos arranques de rock intenso como los que se cuelan por Cherry Blossom. </div>
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Observando la corta trayectoria de Paolo Nutini es fácil darse cuenta de que sigue en busca de su sitio y de su estilo. Pero desde luego con este Caustic Love parece haber encontrado tierra. Sus cualidades para jugar con ese tono negro que tiene su voz parecen mejor explotadas que nunca en un disco que actualiza las influencias clásicas de los sonidos como el soul o el funk de manera muy notable. Esperemos que su búsqueda haya terminado y sólo quede ahondar en este camino. Si es así podemos estar ante algo realmente serio. </div>
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Escrito originalmente para: <a href="http://www.paisajeselectricos.com/2014/04/24/caustic-love-de-paolo-nutini/">http://www.paisajeselectricos.com/2014/04/24/caustic-love-de-paolo-nutini/</a>Kepahttp://www.blogger.com/profile/12884861495726188321noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8991709178227137589.post-22466563536654514852014-04-27T19:16:00.003-07:002014-04-27T19:16:19.425-07:00 Eels: “The Cautionary Tales Of Mark Oliver Everett” <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEij8MlpPawiIac40suv9kJbQMgufHKyVTyhNNC8YSHyf8AosGLwT7DnEXvTl0QEe7g3ALcIUMmxgOF_Wa3pQ7KGMOovX8pw8S9G1lmjnA6dNxM83_k3c92yk_7ah9SOm5-5s1yOq-GQPURM/s1600/Eels.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEij8MlpPawiIac40suv9kJbQMgufHKyVTyhNNC8YSHyf8AosGLwT7DnEXvTl0QEe7g3ALcIUMmxgOF_Wa3pQ7KGMOovX8pw8S9G1lmjnA6dNxM83_k3c92yk_7ah9SOm5-5s1yOq-GQPURM/s320/Eels.jpg" /></a></div>
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KEPA ARBIZU<br />
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Desde siempre el arte ha servido, entre otras miles de funciones, como cauterizador, o cuanto menos como mecanismo para exteriorizar, del dolor o de los sentimientos trágicos que asolan al ser humano desde que éste existe. Ese contexto no le es ajeno a la música, y más concretamente al pop/rock, que a pesar de su carácter, en ocasiones, evasivo, también se sabe mover en esos terrenos. Un ejemplo de esa necesidad de desnudarse y poner sobre la mesa las miserias de uno, bajo una particular manera en la que también tiene cabida cierta ironía, es el del norteamericano Mark Oliver Everett. </div>
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Eels, su pseudónimo artístico, lleva desde finales de los noventa utilizando las diferentes y variadas ramas de la música popular (folk, rock, blues, pop...) para conformar un particular y genial discurso en donde lo musical se cohesiona con lo personal/íntimo. Una destreza que ha superado el entorno discográfico para llegar hasta el literario, como así lo atestigua la autobiografía que editó hace unos años “Cosas que los nietos deberían saber”. </div>
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A pesar de que su nuevo disco, The Cautionary Tales Of Mark Oliver Everett, ha sido editado en el tiempo con posterioridad a su predecesor Wonderful, Glorious, las canciones que lo forman son anteriores. Curiosa relación la que se puede establecer entre ambos trabajos, de alguna manera antitéticos, ya que si en aquel el sonido era más directo, eléctrico, más duro por decirlo de forma rápida y simple, el actual es mucho más delicado y repleto de instrumentación. Algo que sin embargo no impide que sea más crudo en lo emocional, rebuscando entre sus amores perdidos, las decisiones erróneas o las relaciones familiares. </div>
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Estilísticamente este “nuevo” material puede pecar aparentemente en alguna ocasión de ser demasiado plano, precisamente algo no achacable en general a sus discos, ya que suelen ser bastante heterogéneos. Pero lo que puede ser una sensación en el contacto más inmediato con el álbum, a la larga lo que denota, y termina por imponerse, es un conjunto más específico, más cerrado y, también respecto a lo literario, perfectamente acotado. El resultado es a la larga un trabajo de una elegante presencia y personalidad. </div>
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Dentro de ese folk minimalista que domina el disco, más como concepto que como ejecución, ya que el uso de la instrumentación va a ser muy habitual, destacan composiciones como Agatha Chang, con un tono más profundo, o la genial Parallels, donde se impone lo bucólico y en la que se incrusta ese tono de voz ligeramente rasgado, reproduciendo una mezcla muy atractiva. Bajo un aspecto más envolvente se va a mostrar en Lockdown Hurricane, apoyado en la sección de cuerdas y con un regusto a The Beatles, o en A Swallow in the Sun, más incisiva y en la que serán las insinuantes guitarras eléctricas las que tomen el papel dominante. </div>
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Si en canciones como Mistakes of My Youth encontramos los momentos más melódicos, con una clara orientación hacia el pop, su contrapunto lo veremos en la misteriosa, casi tenebrosa, Dead Reckoning, en la que se dedica a recitar, o en la inquietante Series of Misunderstandings, que toma forma de canción infantil, también por su tono de cantar, y donde nos toparemos con versos como “I'd teach that motherfucker that raised you / How to treat you right”. </div>
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Mención especial requieren tres temas que son muy significativos en cuanto a sus títulos ya que desvelan a las claras el carácter conceptual, o por lo menos monográfico, que contiene el disco. Si el álbum se abre con la instrumental Where I’m At, y se cierra como Where I´m Going, en la que utiliza la misma melodía que la anterior pero ahora desarrollada bajo una ambientación que recuerda a Tom Waits, como también lo hará Gentlemen’s Choice, en medio se intercala Where I´m From, a base de un ritmo ágil y sedoso de folk a lo M. Ward. </div>
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The Cautionary Tales Of Mark Oliver Everett es una muestra del Eels más sosegado y delicado, en cuanto a lo musical, pero por encima de todo otra nueva confirmación de que estamos ante una de las personalidades más especiales y atractivas del rock en la actualidad. Un disco que en un primer contacto puede sonar algo monocorde pero que rápidamente termina por imponerse dejando deslizar sus capas y matices. Todo ello bajo el manto de un trabajo introspectivo en el que desnuda sus miserias, esas en las que de una forma u otra todos nos podemos ver reflejados. </div>
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Escrito originalmente para: <a href="http://www.elgiradiscos.com/2014/04/eels-cautionary-tales-of-mark-oliver.html">http://www.elgiradiscos.com/2014/04/eels-cautionary-tales-of-mark-oliver.html</a>Kepahttp://www.blogger.com/profile/12884861495726188321noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8991709178227137589.post-53342111972722012402014-04-24T17:45:00.001-07:002014-04-24T17:45:10.660-07:00“Do to the Beast”, de The Afghan Whigs. Regresando a la zona oscura<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtR7Y-WHQrzl8JAhJXNafm6ziCSnzSROZuTxxA1csE1LtP-TGImaLe1B2zEST6Spsj0mr2oYbQZx1DzMyUmzwTamLhPNGeieQzEP2jRN4Eln9E99_OHY7Av5SgmhwO7PLlMfL_Q3lsVxhx/s1600/The-Afghan-Whigs-Do-To-The-Beast.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtR7Y-WHQrzl8JAhJXNafm6ziCSnzSROZuTxxA1csE1LtP-TGImaLe1B2zEST6Spsj0mr2oYbQZx1DzMyUmzwTamLhPNGeieQzEP2jRN4Eln9E99_OHY7Av5SgmhwO7PLlMfL_Q3lsVxhx/s320/The-Afghan-Whigs-Do-To-The-Beast.jpg" /></a></div>
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KEPA ARBIZU<br />
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The Afghan Whigs siempre fueron los chicos raros del grunge, ya sea porque procedían de un lugar que no era Seattle (son oriundos de Cincinnati) o principalmente, tal y como quedó demostrado por la evolución mostrada a lo largo de sus discos, porque su propuesta superaba dicho encasillamiento. También es cierto que haber grabado para la escudería Sub Pop, referente de la escena, o sus fuertes guitarras y sombrío sonido les hacía mantener un cierto nexo de unión con ella. </div>
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16 años después de su último lanzamiento (“1965”), regresan ahora con este “Do to the Beast”, una “rentrée” que tuvo su primer capítulo en la gira de reunión que realizaron en el 2012. Si bien en dicha cita mantenían al guitarrista Rick McCollum, en la actualidad ha causado baja. Esto significa que en la reciente grabación sólo se mantienen de la formación original John Curley y, obviamente, Greg Dulli, auténtica cabeza pensante del proyecto. Junto a ellos una serie de músicos procedentes de variadas formaciones (Chavez, Queens of the Stone Age, The Raconteurs..) que tienen el papel de acompañamiento y de paso, aportar su granito de arena para hacer a este álbum poseedor de un sonido clásico, o cuanto menos muy reconocible , pero repleto de matices y variedad. </div>
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En esta larga época sin noticias del grupo su cabeza visible, Greg Dulli, ha formado parte de diferentes proyectos como The Twilight Singers o The Gutter Twins, de los que también se ha traído heredadas algunas ideas que se manifestarán en este trabajo. Y es que a pesar de ese espacio en blanco que ha vivido la banda, su vuelta les reengancha al camino por el que transitaban, en el que el rock ruidoso se ha dejado influenciar por la música negra, siempre con una gran sutilidad y bajo un prisma totalmente personal, una referencia básica en ellos tal y como demostraron con la realización de versiones clásicas del género. </div>
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“Do to the Beast” se abre con “Parked Outside”, un tema que nos puede llevar a equívocos, ya que su rock denso, oscuro y potentísimo, acompañado por la fiereza con la que está cantada, supone el momento más álgido, en cuento a fuerza bruta se refiere, del álbum. Las otras canciones que optan por una vía más enérgica se desenvolverán con mayor matización y jugando con las tonalidades, en la que “Matamoros” es su máxima exponente, deslizando la electrónica en el habitual trabajo de melodías del grupo. Mucho más arquetípico todavía será un tema como “The Lottery”, donde se conjuga la tensión eléctrica con un ambiente envolvente, mismas armas que utilizarán en el “in crescendo” que se materializa en “These Sticks”. </div>
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El disco también se va a mover por un territorio más pausado, en el que predominarán los medios/lentos tiempos. Por ejemplo “It Kills” o “Lost in the Woods” guardan en común el protagonismo que adopta en un primer momento el piano, al que más tarde se irá uniendo instrumentación (incluidas las guitarras). Mientras que en la primera juega con una reposada intensidad, la segunda directamente tira de épica. “Algiers” por su parte es más directa y saca a relucir la baza romántica, siempre desde una perspectiva oscura, apoyada en parte en el falsete utilizado en momentos por Dulli. </div>
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“Do to the Beast” supone el regreso de una banda esencial en la década de los noventa. Al frente nunca ha cabido duda de que estaba el cerebro de Greg Dulli, al igual que sucede en esta ocasión. Probablemente no sea este el disco referencial ni esté a la altura de sus cimas creativas, pero sin duda es un perfecto ejemplo de su buen hacer a la hora de situarse en ese territorio en el que el rock oscuro y guitarrero se fusiona con los sonidos negros en una forma personal y realmente emocional.</div>
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Escrito originalmente para: <a href="http://www.culturamas.es/blog/2014/04/22/do-to-the-beast-de-the-afghan-whigs-regresando-a-la-zona-oscura/">http://www.culturamas.es/blog/2014/04/22/do-to-the-beast-de-the-afghan-whigs-regresando-a-la-zona-oscura/</a>Kepahttp://www.blogger.com/profile/12884861495726188321noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8991709178227137589.post-43669083284657719702014-04-21T18:40:00.002-07:002014-04-21T18:40:24.463-07:00 Sex Museum: “Big City Lies” <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3slbpWfj7vNtvVi48vqshfU4JZ6_lmlqVl1LcOguyasiYPu7Dmw-S0KGmnxxWfjkEk5EdMfjKJshqa5iG-o1_lphKrlMs41QZ_doonT4O_hapFV2CoLX0w-Tpq_-hJbV0zSCEtXggu54J/s1600/sex_museum_big_city_lies-portada.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3slbpWfj7vNtvVi48vqshfU4JZ6_lmlqVl1LcOguyasiYPu7Dmw-S0KGmnxxWfjkEk5EdMfjKJshqa5iG-o1_lphKrlMs41QZ_doonT4O_hapFV2CoLX0w-Tpq_-hJbV0zSCEtXggu54J/s320/sex_museum_big_city_lies-portada.jpg" /></a></div>
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KEPA ARBIZU<br />
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Sex Museum es una banda que pertenece, por mérito propio, al paisaje “rockero” español. Se trata de una lógica consecuencia de una carrera de casi treinta años, iniciada en la segunda parte de los años ochenta en el barrio de Malasaña, que se ha ido forjando sin estridencias ni preocupaciones banales en la moda. Su propuesta siempre ha sido sincera, y si bien es cierto que han apostado por un sonido, a la larga, reconocible, nunca han renunciado a incorporar nuevas sonoridades o ritmos. </div>
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El resultado en la actualidad es una formación construida a base de infinidad de influencias (el hard rock, garage, sonidos negros...) pero siempre pivotando alrededor de un sello personal confeccionado de la mano de una formación que, pese a su longevidad, ha mantenido prácticamente siempre un mismo núcleo central que además, y es un aspecto que seguramente influye a la larga en su solidez, guarda unos lazos muy fuertes, ya que está integrado por los hermanos Pardo, Miguel y Fernando, y la mujer de este último Marta Ruiz. </div>
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Se ha comentado respecto a este su nuevo trabajo, Big City Lies, que estamos ante una vuelta a los orígenes. Una sentencia posiblemente influenciada tanto por su reciente gira Back to the Fuzz, que pretendía acercar sus primeras épocas a su nueva audiencia, como por ciertos caminos sonoros retomados en el álbum. Pero a larga, y dando por buena en cierto sentido esa idea, todo indica que en realidad estamos ante un nuevo paso de los madrileños basado en reunir los diferentes caminos musicales, poniendo énfasis en unos u otros según el momento, que han ido recopilando a lo largo de los años. </div>
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El álbum se inicia con el sonido chirriante que abre Lost in Blue y que se irá acomodando en un oscuro hard rock con altos niveles de psicodelia, aglutinando la herencia clásica de los primeros Deep Purple con propuestas más actuales como The Black Angels. Siguiendo con ese sonido envolvente pero más directo, menos retorcido, se presenta el auténtico hit que es Circles in the Salt, en la que destacan los teclados de Marta, que asimila perfectamente la herencia de John Lord, Vincent Crane o The Doors entre otros. Un elemento que también dejará su impronta en Judee Sill, uno de los temas interpretados en castellano, o en la garagera Ruler of Your Life. </div>
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El hecho de que Fernando Pardo y Javi Vacas formen parte también de Los Coronas tiene su representación más directa, ya sea de forma consciente o no, en una canción como Huesos de Santos, realizada con retazos de estilos diversos y que recuerda al grupo instrumental. Otra composición que también llama la atención es La Californiana, que si bien tiene el sello de los madrileños opta por unos ritmos más actuales o modernos. Por otro lado la parte más directa e intensa del disco llegará por medio de temas como Emotional Tyranny, con esa crudeza al estilo de unos New Christs; Motherboard, con un ritmo más punk a lo Radio Birdman, o todavía la más corrosiva Odio, la otra interpretada en castellano. </div>
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No es nada reseñable, por habitual, que los madrileños realicen un buen disco, ya lo es más sin embargo que después de más de veinte años no den síntomas de agotamiento ni de estancamiento. Aunque es cierto que Big City Lies retoma ciertos gestos y maneras del pasado, el grupo ha sabido perfectamente hacer suyas e incorporar, de forma más o menos obvia, todos las influencias que han ido manejando a lo largo del tiempo. En ese sentido el nuevo disco es un termómetro de unos Sex Museum clásicos pero instalados en el momento actual, un gran momento. </div>
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Escrito originalmente para: <a href="http://www.elgiradiscos.com/2014/04/sex-museum-big-city-lies.html">http://www.elgiradiscos.com/2014/04/sex-museum-big-city-lies.html</a>Kepahttp://www.blogger.com/profile/12884861495726188321noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8991709178227137589.post-83359936703002368712014-04-13T18:45:00.001-07:002014-04-13T18:45:19.058-07:00Johnny Cash: “Out Among the Stars” <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKvEudB5-lJl3KYgsO8z7eGBi_Ccp-0z92gC30Ft14q1Gx8jYScMFOC2TpkZ6zclFux4BBGONFhXZi4LQe4GWQYvy81eDWA5EiYqq4lvixvbZOe7zTa1XVnQeu0425otDMiDyjBi48o1zK/s1600/johnny-cash-out-among-the-stars-biger-1024x1024.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKvEudB5-lJl3KYgsO8z7eGBi_Ccp-0z92gC30Ft14q1Gx8jYScMFOC2TpkZ6zclFux4BBGONFhXZi4LQe4GWQYvy81eDWA5EiYqq4lvixvbZOe7zTa1XVnQeu0425otDMiDyjBi48o1zK/s320/johnny-cash-out-among-the-stars-biger-1024x1024.jpg" /></a></div>
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KEPA ARBIZU<br />
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En la actualidad el nombre de Johnny Cash ha quedado grabado en la memoria colectiva, mayoritariamente, como ese cantante crepuscular de profundísima y entrecortada voz. Pero alguien con un bagaje tan amplio como él es lógico suponer que ha vivido etapas muy diferentes. Los ochenta para muchos músicos que labraron su carrera durante décadas pasadas supusieron en muchas ocasiones un difícil transcurrir. No es una excepción la del mítico intérprete country. Tanto en lo artístico, desubicado en unas preferencias musicales de la época que le inclinaron a un sonido menos puro y profundo, como en lo personal, con un repunte en sus adicciones, no supusieron años fáciles. </div>
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Precisamente en ese contexto fue grabado Out Among the Stars, un álbum rechazado por Columbia en su momento y que ahora, tras ser descubierto por su hijo John Carter, ha visto la luz. Como siempre estas situaciones relacionadas con desempolvar viejas grabaciones de intérpretes ya fallecidos suelen ser motivo de polémica en lo relativo a la (sobre)explotación de su imagen. En esta ocasión, al margen del mayor o menor nivel final, se trata de un trabajo íntegro realizado en el pasado, con los músicos de los que en esa época se rodeaba, y por lo tanto no un refrito ni una invención. </div>
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Es cierto que para la edición actual las canciones han sido retocadas, o si se prefiere acabadas, ya que las originales no lo estaban del todo. En ese trabajo de cincelar las composiciones incluso se ha recurrido a alguno de los que tomaron parte en las sesiones originales, como Marty Stuart, que ha retocada algunas partes concernientes a las guitarras. El resultado final es la muestra de un Johnny Cash totalmente reconocible pero también circunscrito al sonido de esa época, y más en concreto a la labor ejercida por el productor Billy Sherrill, siempre en busca de un acabado más nítido y recargado. </div>
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Precisamente esa ambientación musical es la que se impone, y de alguna manera lastra el resultado final, de la canción que da título al disco, un clásico del country que aquí aparece interpretada con un tono más pop y con una instrumentación, por momentos excesiva, demasiado artificial. Algo que en menor medida se pude aplicar a I Drove Her Out of My Mind. Dos grandes melodías originales a las que no se les sabe sacar todo el jugo que a priori en manos del “hombre de negro”se debería obtener. Junto a Waylon Jennings va a interpretar I’m Movin’ On, en la que estilísticamente se impone el ejecutado habitualmente por el citado, con esa peculiar mezcla entre el rockabilly y el honky tonk. </div>
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Es verdad que en Rock and Roll Shoes nos vamos a encontrar a un Johnny Cash totalmente reconocible, pero lo va a ser sin esa profundidad acostumbrada. Frente a ello, algunos de los momentos destacables llegan de la mano de los dúos que hace con su mujer June Carter, ya sea por medio de la pegadiza Baby Ride Easy, excepcional su estribillo, o sobre todo Don´t You Think It’s Come Our Time, mucho más sentida y romántica. </div>
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La parte más interesante, y con algunos instantes realmente importantes, llegará de la mano de composiciones más sobrias e íntimas. Buen ejemplo de eso es la oscura She Used to Love Me a Lot, verdaderamente magistral por momentos y no tan alejada en cuanto a idea de lo que serían los American Recordings. En After All el músico se moverá en algo parecido a un vals/nana en la que observamos su voz relajada pero plena. Country clásico, nostálgico y de altísima calidad es el que asoma en Tennessee, y I Came to Believe, una de las dos composiciones propias junto a Call Your Mother, que dirigida por el piano, alcanza cotas sobrecogedoras, no obstante está escrita durante su estancia en un centro de desintoxicación y a modo de expiación. </div>
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No es Out Among the Stars uno de los discos que pasarán a la historia como principales a la hora de glosar la figura de Johnny Cash. Ni está a la altura de sus trabajos en los años sesenta o setenta, con su genial estilo, ni a los más actuales que han quedado en nuestra retina, con un tono crepuscular majestuoso. Eso no quiere decir que no haya mucho del músico norteamericano en él. Lo hay, contextualizado en el momento en que fue grabado originalmente pero sin impedir que trasluzca alguna de sus muchas y brillantes cualidades, y es que algunos pequeños destellos de esas deberían de ser suficientes para no dudar a la hora de acercarse a este álbum. </div>
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Escrito originalmente para: <a href="http://www.elgiradiscos.com/2014/04/johnny-cash-out-among-stars.html">http://www.elgiradiscos.com/2014/04/johnny-cash-out-among-stars.html</a>Kepahttp://www.blogger.com/profile/12884861495726188321noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-8991709178227137589.post-84104164369161037652014-04-07T18:58:00.004-07:002014-04-13T18:41:46.223-07:00"Going Back Home” de Wilko Johnson / Roger Daltrey. Rock & Roll eterno<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzGyGMTXhH9fTPXUbBEcxu18FGAIkRFXWLC3ETUOlagDNxhZE8yPGkddmgPJBVQn2LOEndSd5osTRageRu5ee3hONG2JeCuYu60-uq8og1Fb16vgNWvKMiZzRFfkrr1_oteKGcxH-iE-o_/s1600/wilko_johnson_y_roger_daltrey_going_back_home-portada.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzGyGMTXhH9fTPXUbBEcxu18FGAIkRFXWLC3ETUOlagDNxhZE8yPGkddmgPJBVQn2LOEndSd5osTRageRu5ee3hONG2JeCuYu60-uq8og1Fb16vgNWvKMiZzRFfkrr1_oteKGcxH-iE-o_/s320/wilko_johnson_y_roger_daltrey_going_back_home-portada.jpg" /></a></div>
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KEPA ARBIZU<br />
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Hay discos que al margen de lo estrictamente musical tienen un valor simbólico del que uno no se puede abstraer. En este caso concreto hace referencia a la situación que padece uno de los creadores que toman parte en él, Wilko Johnson, guitarrista y fundador de Dr. Feelgood, banda de rhythm and blues y máxima representante de lo que se llamó en los años setenta pub-rock, al que se le diagnosticó un cáncer terminal en el 2012 y al que ha hecho frente con la determinación de editar este álbum y embarcarse en una gira. </div>
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Por si todo eso fuera poco, se ha buscado como aliado para dar forma a sus viejas canciones a Roger Daltrey, legendaria y brillante voz de The Who. Sabemos por muchas experiencias pasadas que el hecho de reunir en un mismo cartel a dos estrellas, por muy relumbrantes que éstas sean, no asegura que el resultado global esté a la altura y no se trate de poco más que precisamente eso, simple apariencia. Pero para resolver enigmas y evaporar posibles dudas, para nada éste es el caso. Este trabajo tiene una calidad propia admirable y rezuma una fuerza descomunal. </div>
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Las canciones que forman parte de “Going Back Home” son composiciones ya conocidas que recorren la carrera de Wilko Johnson a lo largo de sus años, ya sea desde su época de Dr. Feelgood o en solitario, con la excepción de una versión de Bob Dylan. Pero, aunque está claro que hay un afán por homenajear al guitarrista, la manera de tratar dichos temas no se basa en reproducir con más o menos gracia lo ya conocido, sino que es evidente que hay un empeño en actualizarlos, respetando totalmente su esencia, en mostrarlos de una forma dinámica y a la postre con gran rotundidad. Algo que es posible también gracias a la presencia, con tintes majestuosos, de Roger Daltrey. El resultado es una magistral forma de entender el legado clásico pero situándolo en el presente, una tarea en la que ha tenido su cuota de protagonismo Dave Eringa (Manic Street Preachers, Idlewild…) ejerciendo de productor. </div>
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En el sonido global que consigue este disco hay que mencionar el papel que tiene la banda que participa, formada, con algunas incursiones, por los músicos de los que se acompaña Wilko Johnson en directo (Norman Watt-Roy y Dylan Howe). La contundencia con la que se van a emplear queda clara desde el primer segundo, sonando atronadores en el rhythm and blues que da nombre al disco, también en “I Keep It to Myself” o “Some Kind of Hero” por citar algunas de similares características, y en el que cada pieza (piano, armónica) trabaja en una misma dirección. “Everybody’s Carrying a Gun” incrementará un poco la vuelta de tuerca en esa misma dirección dando lugar a un “sucio” boggie rock. </div>
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Hay un tipo de ritmo muy característico a lo largo de la carrera de Dr. Feelgood y del propio Wilko Johnson, consistente en sonar sincopado y levemente estridente, que se ha constituido como marca de la casa. Como no podía ser menos en este disco también nos topamos con él, así se ve en “Ice on the Motorway”, donde la voz de Daltrey se retuerce; en “Keep It Out of Sight”, de nuevo el que fuera cantante de The Who da toda una lección vocal, o en la menos evidente “Keep On Loving You”, que se desenvuelve por lugares entre el blues y el soul. </div>
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Dentro de esa vorágine de electricidad va a haber espacio, mínimo, para apagar las luces y dejarse llevar por la emotiva “Turned 21” o, desde otra perspectiva, por medio de la única versión que hay en el disco, que no es otra que el “Can You Please Crawl Out Your Window” de Bob Dylan, convirtiéndola en toda una exaltación de musculoso rock americano. </div>
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“Going Back Home” es precisamente eso, un regreso al hogar, una reivindicación del legado del músico inglés pero desde un punto de vista nada nostálgico, al contrario, con la intención de apuntalarlo en el presente y hacerlo con toda la intensidad y coraje. Un trabajo soberbio que sumado a la situación que vive el guitarrista está llamado a dejar huella, y si alguien tiene la necesidad de soltar alguna lagrimilla al escucharlo que no se preocupe, los rockeros también lloran. </div>
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Escrito originalmente para: <a href="http://www.culturamas.es/blog/2014/04/04/going-back-home-de-wilko-johnson-roger-daltrey-rock-roll-eterno/">http://www.culturamas.es/blog/2014/04/04/going-back-home-de-wilko-johnson-roger-daltrey-rock-roll-eterno/</a>Kepahttp://www.blogger.com/profile/12884861495726188321noreply@blogger.com